1. Introducción

La Revolución Industrial produjo muchos cambios, no solo en la industria, provocó un fuerte impacto en el arte, ya que personajes como Morris o Ruskin se levantaron fervientemente contra ella, ya que pedían una transformación de las artes, una vuelta al trabajo artesano; así surgió el Modernismo, un estilo que busca el arte total, la belleza aplicada a todos los órdenes de la vida, inspirándose en la naturaleza y sus formas. El Modernismo se desarrollo desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX, cuando empezó el Art Decó (concretamente de 1920 a 1939), un movimiento de diseño popular que afectó a las artes decorativas y al arte visual, y que al contrario que el Modernismo, se inspiró en las Primeras Vanguardias. Le influyen, el Constructivismo, Cubismo, Futurismo y el propio Modernismo del que evoluciona, y también la escuela de la Bauhaus (Racionalismo).

2. Art Nouveau o Modernismo

2.1. Introducción al Modernismo

El Modernismo (1890 - 1915) abarca principalmente la arquitectura y a las artes decorativas, y apenas se ocupó de la pintura más que en su dimensión de escenas decorativas que complementa a la arquitectura, aun así destaca Gustav Klimt en este campo.
El paso arquitectónico del siglo XIX al XX está representado por la arquitectura modernista. Ésta encarna las ideas de personajes que como Morris o Ruskin, deseaban y pedían una transformación de las artes. La clave se encontraba en la Edad Media y en el regreso a un arte bello y personalizado. Sin embargo este arte no rechazaba la llegada de nuevos materiales y técnicas. Se deja de mirar al pasado y buscan inspiración libre de referencias históricas. Para el comienzo de la Primera Guerra Mundial, el modernismo fue desapareciendo dejando lugar al arte moderno, que con trazos más simples y rectilíneos suponía una diferencia económica importante, este arte armonizaba más con la estética de los diseños industriales y derivó en el Art Decó.

2.2. Contexto histórico

Los orígenes y las causas de la aparición de este movimiento están principalmente en la Revolución industrial, contra la que reaccionaron ardientemente personas como William Morris (Arts and Crafts), que creía que era necesario un cambio social, regresar al trabajo artesano. Pero esto supuso un aumento notable de los precios, siendo inaccesibles para la mayor parte de la población. El Modernismo se convierte por lo tanto en el arte de la burguesía.
El contexto histórico del Modernismo dependerá también de cada país en el que se aplicó, de los cuales los más importantes son, Bélgica, Francia y España, donde predominó la línea curva y las formas ondulantes que es una vertiente del estilo, y por otro lado Gran Bretaña y Austria, donde predominó la línea recta, la simplificación y la geometrización.
El término Art Nouveau fue utilizado en Inglaterra y en Estados Unidos; en Austria recibió el nombre de Secesión; en Alemania Jugendstil que quiere decir "estilo joven"; en Francia se llamó Le Style moderne y en España, Modernismo.

2.3. Ramas y países

La arquitectura modernista no se puede dividir por diferentes etapas, sino por vertientes y por países en los que estuvo en auge. Las dos tendencias predominatantes fueron, el Modernismo ondulante (Francia, Bélgica y España), y el Modernismo "racionalista" o geométrico (Gran Bretaña y Austria).

2.4. Características, Estilos

Este nuevo estilo busca la belleza aplicada a todos los órdenes de la vida, además de afectar a la arquitectura, escultura y pintura, se realizaron bellos diseños de objetos de la vida cotidiana, como jarrones, vajillas, joyas, ropa...
Era una búsqueda del arte total, en la que no se renunció a los nuevos materiales, ya que los modernistas más que un enfrentamiento, buscaban una unión entre el arte y la industria.

El Art Nouveau tiene diversas fuentes de inspiración en su origen (años 20), entre las que destacan:

a) Los Ballets Rusos de Sergei Diáguilev. Estos ballets reflejaban en su representación el movimiento unido a la música, y fueron los que llevaron el ballet a dar un paso más en su historia, elevándolo a la categoría de expresión artística completa.
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Cartel de estilo modernista para anunciar los ballets de Diaghilev

b) El arte egipcio. Con el descubrimiento de la tumba del faraón tutankamón, gracias al arqueólogo Howard Carter, el arte egipcio volvió a cobrar vida en las esferas del arte de los años 20.
c) El arte Maya y Azteca. Las características principales del arte de estas culturas eran las líneas rectas, y las figuras geométricas, que tuvieron su reflejo en las obras del Art Nouveau.
d) El Modernismo. Dentro de este campo, las principales influencias fueron la escuela de La Bauhaus (Walter Gropius, Alemania, 1919), y el arquitecto conocido con el sobrenombre de Le Corbusier (Suiza, 1887- Francia, 1965).
La primera de estas influencias hizo que se adaptaran al Art Nouveau los preceptos de esta escuela, que fue una de las precursoras del diseño industrial y gráfico como hoy lo conocemos, y que por su naturaleza industrial fue vista como un ejemplo de ideología socialista, lo cual llevó a su cierre en el año 1933 por parte del Partido Nacional Socialista Alemán que se había hecho con el poder en este país.
La segunda influencia, el arquitecto suizo Le Corbusier, aportó diversas teorías al mundo de la arquitectura, muchas de ellas de caracter utópico, entre las que destacaríamos la idea de poder cambiar el mundo a partir de la arquitectura, o "La Machine à habiter", es decir, la construcción de máquinas para vivir (cuyo ejemplo más característico es el conocido como "Unidad Habitacional", construido en la ciudad alemana de Berlín).

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Le Corbusier, "Unidad Habitacional", Berlín 1958

2.5. Autores y Obras

El Modernismo nos ha dejado a grandes artistas, y respectivamente sus singulares obras, pero para poder diferenciar a todos los autores y sus creaciones, debemos empezar por señalar que el Modernismo se trabajó en varios ámbitos.

a) Artes gráficas. El Art Nouveau supuso un adelanto para las artes gráficas, se desarrollaron durante esta época tanto el diseño de cubiertas de libros, como las ilustraciones de revistas, los paneles decorativos o diseño de la tipografía.
  • Alfons Mucha Pintor y cartelista (24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939).
Este autor posee un gran número de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones. Podemos encontrar diseños suyos enfocados al ámbito de la orfebrería, pero también, produjo diseños de alfombras, empapelados y decorados teatrales. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, vestidas con trajes propios del neoclasicismo, frecuentemente rodeadas de ornamentaciones y flores, las que a veces formaban aureolas detrás de sus cabezas.
external image img_big.JPGexternal image img_big.JPGReverie
Zodiac

Algunas de sus obras más conocidas son las que conforman La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos.
external image img_big.jpgexternal image img_big.jpgApoteosis de los Eslavos.
Introducción de la Litrugia Eslava.

  • Aubrey Beardsley Ilustrador (Brighton, Inglaterra, 21 de agosto de 1872- Menton, Francia, 16 de marzo de 1898).
Fue un artista pintor e ilustrador inglés. La obra de Aubrey provocó en la sociedad victoriana un gran escándalo y revuelo, pero a su vez consiguió ser admirado. Aubrey Beardsley trabajó con cierta semejanza al cartelista checo Alphonse Mucha. La mayor parte de su obra se basa en cuadros hechos con tinta de diversa temática (mitología, erotismo, caricaturas...). Sus imágenes contrastan, ya que el autor juega con el zonas blancas y negras de gran tamaño y, con zonas de detalle fino con otras en las que no hay ninguno. Sus dibujos recuerdan a los grabados japoneses, como podemos ver en la ilustración que hizo para Salomé, predominan las grandes curvas propias de este estilo. Sus ilustraciones eróticas más famosas son las que tratan temas de historia y mitología, incluyendo sus escandalosas ilustraciones para Lisístrata y Salomé. Beardsley fue también un caricaturista e hizo algunas tiras cómicas políticas.

external image Aubrey-beardsley-lysistrata-01.jpgexternal image 438px-Beardsley-peacockskirt.PNG"The Peacock Skirt" Salomé.
Lisítrata
El estilo de T. Privat-Livemont nos recuerda en gran parte al estilo de Mucha, por ello se podría dedcuir a primera vista que fue un imitador de este, aunque si estudiamos su obra al completo, nos daremos cuenta de que tiene su propio estilo. Al igual que muchos, la mujer era su motivo principal y creó un prototipo identificable que situó en la mayoría de sus obras. Livemont era cuidadoso con sus diseños y esto lo aplicaba incluso en sus litografías, en las cuales se encargaba personalmente de dibujar la imagen sobre piedra. Sus carteles más conocidos son los de publicidad para la bebida de ajenjo.
external image Absinth-Robette.jpgexternal image Peintre-De-Femme.jpgPeintre de Femme
Absinthe Robette
  • Koloman Moser (Viena, 30 de marzo de 1868 - ibidem, 18 de octubre de 1918)
Koloman fue un artista austriaco dejó gran influencia en el arte gráfico de principios del siglo XX. Moser diseñó una extensa lista de trabajos gráficos. desde estampillas a viñetas para revistas, moda, vitrales, porcelanas y cerámicas, vidrio soplado, vajilla, platería, joyería y mobiliario, entre otros. Sus diseños para arquitectura, mobiliario, joyería, gráfica y tapicería ayudaron a caracterizar el arte gráfico de su época. Sus características más notables son las líneas límpias y los motivos repetidos del arte, así como la arquitectura grecorromano clásico en respuesta a la decadencia de tipo barroca do los alrededores de la Viena de cambio de siglo.
external image 1555_koloman_moser_1868_1918_je.jpgexternal image Koloman_Moser_005.jpg
Pintor austríaco.Gustav Klimt es uno de los pintores más conocidos del modernismo y de la Secesión vienesa. Klimt realizó lienzos y murales con un estilo muy personal, del que destacamos las ornamentaciones, esta forma de trabajo, también la aplicó a la artesanía. Gustav tenía ciertos ideales románticos, por lo que encontró como fuente de inspiración el desnundo femenino, característica muy propia del Art Nouveau. Sus obras se caracterizan por poseer motivos sensuales, en cierto modo recuerdan a los dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt destacó la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado con los círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena comenzaba a dejar de ser la gran ciudad del arte por excelencia. El autor se convirtió uno de los fundadores de la Wiener Sezession, un grupo de artistas fundado en 1897, de la que acabaría siendo el presidente.
El artista tuvo una etapa denominada La "etapa dorada". Esta etapa es conocida tanto por sus críticas como por su éxito comercia. Las obras realizadas durante estos años incluyen pan de oro a la pintura, aunque ésta era una técnica que Klimt ya había utilizado ocasionalmente desde 1898. Las obras más destacadas y conocidas realizadas en esta etapa fueron el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso (1907-1908).

external image klimt.adele-bloch-bauer.jpgexternal image klimt.jpgEl beso
Retrato de Adele Bloch-Bauer I

La obra de Klimt, como comentábamos, se basa en la decoración con elementos dorados y ormantales de colores vivos, aunque observamos también formas fálicas ocultas que señalan el carácter de los dibujos en que el autor se inspiraba. En la primera versión de Judith, en El beso y, sobre todo, en la Dánae de 1907 aparecen elementos abstractos de carácter sexual bastante claros. Siendo la mujer uno de los temas más frecuentes de Klimt, es de lógica que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial devoción por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con la femme fatale.

external image gustav_klimt_039.jpgexternal image danae.jpg Dánae
Judith
Fue un pintor, escultor, grabador y arquitecto alemán. La obra de Stuck gira en torno a la mitología. Sus cuadros se caracterizan por contener figuras grandes y pesadas, lo que demuestra su interés por la escultura. También destacan sus desnudos femeninos, como venimos comentando a lo largo de todo este apartado, característca fundamental del Modernismo en el arte, la femme fatale como inspiración. Stuck se centró también en los marcos de sus obras, los diseñaba los tallaba y les hacía inscripciones con gran delicadeza y cuidado.

external image amazon%20stuck.jpgexternal image image026.gifEl beso de la esfinge
Amazona herida
Tiffany fue un artista estadounidense que se dedicó a varios ámbitos del arte. Trabajó como diseñador industrial, trabajó el vidrio en forma de mosaicos, en lámparas de vitral y el vidrio soplado. Encontramos obras suyas también en diseños de ventanas, joyas y trabajos en metal. Louis es el artista estadounidense que más se relaciona con el movimiento modernista.
external image 1974_214_15ab_lg.jpgexternal image 53_679_1824-lg.jpgexternal image 46_168_1-lg.jpg
1.Lotus o (Lámpara de Agua) Lámpara de mesa 2.Diseño para el Lyceum Theatre de Nueva York 3. Collar. 1904
  • Jan Toorop (Purworedjo, Java, 20 de diciembre de 1858- La Haya, Holanda, 3 de marzo de 1928)
Toorop fue un pintor que se movió entre el simbolismo y el modernismo. Desarrolló un estilo particular que unía motivos javaneses, propios de la isla de Java, y simbólicos. Fue percusor de los patrones pictóricos del modernismo gracias a sus dibujos de álamos y sus figuras curvilíneas. Recbie influencias de Manet, aunque su estilo se caracteriza por un gran colorido y por la nitidez de los contornos. Parte de su obra está orientada al puntillismo donde destaca su obra Seducción. Años después se convirtió al catolicismo pintando escenas religiosas y simbólicas, de esta etapa destacamos Santa Virgen de Lourdes.
external image 1886_b2.jpgexternal image 1910_b2.jpg Santa Virgen de Lourdes
Seducción
Como muchos de los anterires Néstor fue un pintor al que podemos calificar dentro del simbolismo, pero también del modernismo. Se caracteriza por iniciar la pintura basada en la mitolgía atlánticae en su obra Poema del Atlántico, son un conjunto de lienzos que pintó entre 1913 y 1924. En estas obras representa los estods del mar en diferentes momentos del día. Néstor utiliza una técnica de empastes y veladuras con las que consigue un gran realismo, que queda reflejado en el agua del océano. Estas obras se caracterizan también por mostrar una gama cromática interesante gracias al uso que hace el pintor de los colores, los difumina y los suaviza. El tema central de esta serie se basa en representar una mitología de cuerpos jóvenes, un tanto ambiguos que nadan, descansan o luchan contra las olas o los seres marinos.
Se le considera como principal representante en la pintura canaria, y sobresale en sus creaciones la utilización que hace de la luz, principalmente en la serie pictórica Poema de los Elementos, otra serie de obras que plasman su estilo modernisa, como por ejemplo, el Poema del Mar y el Poema de la Tierra, en las que homenajea a la naturaleza canaria.

external image borrasca.jpgexternal image mar_reposo.jpgexternal image bajamar.jpg
Serie: Poema del Atlántico: 1. Borrasca 2. Mar en reposo 3.Bajamar

external image amanecer.jpgexternal image noche.jpgexternal image mediodia.jpg
Serie: Poema de la Tierra 1. Amanecer 2. Noche 3. Mediodía

Se le suele enmarcar en el ámbito del postimpresionismo, pero muchos expertos en arte no dudan en que pertenece a la etapa del Art Nouveau.
Este artista francés se vió influído por Degas, Bernard y las estampas japonesas. En la temática de sus obras dominaba los temas relacionados con el entretenimiento y el espectáculo, como los cabarets, teatros, cafés...
Además de dedicarse a la cartelería, tambien realizó grabados, pinturas, pasteles y dibujos.
Sus obras se caracterizan por el movimiento del que están dotadas y por su simplicidad. Entre sus carteles cabe destacar "Moulin Rouge": La Goulue, "Ambassadeurs":
Aristide Bruant y Le Chat Noir.


toulouse-lautrec-Le-Chat-Noir-09.jpglautrec_cartel_2.jpglautrec_cartel_mrouge.jpg
















b) Joyería. En este ámbito, los artistas tenían a la naturaleza como principal fuente de inspiración, característica propia de este movimiento artístico. Aplicaban el esmaltado a las joyas, así como el ópalo y las piedras preciosas. Se aproximaban al Arte japonés al utilizar temas ornamentales. La joyería fina se centró en la utilización de diamantes, los cuales se combinaban con materiales menos familiares como el vidrio, el marfil y el cuerno animal.
Lalique fue un vidriero y joyero francés al que se le roconoció por su originalidad a la hora de crear diseños para joyas, botellas de perfume, vasos, candelabros, relojes, etc., dentro del modernimso. René Lalique no se conformaba con diseñar sus modelos, sino que construyó también una fábrica en Wingen-sur-Moder, creando y patentando novedosos procesos de fabricación del vidrio y varios efectos técnicos como el satinado Lalique o el vidrio opalescente. La fábrica funciona todavía y su nombre ha quedado asociado a la calidad con grandes diseños. René Lalique fue el primero en esculpir el vidrio para grandes obras, como las puertas del Hotel Alberto I de París o las fuentes de los Campos Elíseos. Lalique renovó el arte de la joyería gracias a la utilización de motivos decorativos inspirados en la fauna y en la flora.

external image 517px-Dragonfly_by_Ren%C3%A9_Jules_Lalique.jpgexternal image lalique_250.jpg Ramillete ornamenal de una mujer libélula
Libélula iluminada con ornamentos

  • Émile Gallé (Nancy, 8 de mayo de 1846 – Nancy, 23 de septiembre de 1904)
Este artista se considera como uno de los exponentes más importantes del Art Nouveau francés. Émille Gallé utilizó e introdujo técnias novodesas para la época, como por ejemplo la pintura al esmalte o la marquetería de vidrio, que se utilizaban para crear relieves con diferentes capas y conseguir una mayor cantidad de coloros en las obras. Su obra se caracteriza principalmente por el uso de especies vegetales, frutos e insectos, representados con una gran minuciosidad. Son muy conocidos todos los jarrones que diseñó y llevó a cabo.

external image galle10.jpgexternal image galle19.jpgJarrón de cristal con incrustaciones de vidrio y motivos florales.
Jarrón de vidrio soplado con un paisaje de un lago.

En sus primeros trabajos utilizó un cristial adornado con esmaltes, pero no tardó demasiado tiempo en desarrollar un estilo más original utilizando el cristal pesado y opaco, tallado o grabado al agua fuerte, para después adornarlos con motivos florales. Continuó incorporando técnicas más novedosas como el uso de burbujas de aire o láminas de metal.
Émille también se dedicó a la fabricación de muebles, éstos muestran también formas vegetales y dibujos derivados del arte Rococó.

external image galle36.jpgexternal image galle39.jpgMesa De Café "Lorrain Thistle" cenefa de árboles frutales
Estantes "Alla Japónica "

c) Arquitectura. El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Para la decoración de interiores este arte se sirve de la industria. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque también destacan el uso de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.
Como ya mencionamos anteriormente, en la arquitectura, el modernismo se divide en dos principales ramas, el modernismo ondulante (Francia, Belgica y España) y el modernismo racionalista o geométrico (Gran Bretaña y Austria).
El modernismo ondulante fue antecedente a la arquitectura organicista (Frank LLoyd Wright, "La casa de la cascada"), y tuvo su mayor auge en Bélgica, Francia y España. Bélgica era un país pequeño, pero muy industrializado y con un gran desarrollo de la burguesía, entre los autores belgas destacan Victor Horta y Henri van de Velde.
  • Henry van de Velde (Amberes, 3 de abril de 1863 - Ober-Ägeri, Suiza, 15 de octubre de 1957)
Van de Velde fue un artista belga que se dedicó al diseño industrial y a la pintura, pero sobretodo, destaca por ser uno de los arquitectos más relevantes en el modernismo. Henry Van de Velde tuvo gran importancia ya que trabajó en distintos países de toda Europa. Una de sus primeras obras fue su propia casa en Ukkel, que se conviritó en ejemplo de un nuevo estilo, el propio artista diseño hasta los muebles que decorarían la casa, caracterizados por una sintaxis curvilínea. Otro proyecto conocido es su decoración del interior del Museo Folkwang, pero sin duda alguna, su mayor obra arquitectónica fue el Teatro para la Exposición de la Werkbund. En sus principios se mostraba partidiario de las características del modernismo, pero más adelante cambió su estilo dejando atrás la ornamentación.

external image Henry-van-de-Velde.bmpexternal image hh-0147.jpg
Victor Horta es el artista que mejor encarna el modernismo en Bélgica. Realizó sus primeros estudios en París, entre 1892 y 1893 realizó su obra más emblemática, la Casa Tassel en Bruselas, una residencia familiar con unas características singulares. El edificio no tiene pasillo, lo que da lugar a una serie de espacios fluidos, el artista utiliza el hierro y el cristal como elementos primordiales, tratándolos de una nueva manera, creando así formas vegetales tanto en las columnas y escaleras, como en el mobiliario. El exterior del edificio no es nada innovador, es simple, discreto y poco tiene que ver con su interior.

external image victorhortastaircase.jpgexternal image horta5.jpg

Otras de sus obras son la Casa Solvay (1895-1900) y la Casa del pueblo, esta última realizada para albergar las oficinas el sindicato socialista y que fue destruida años después de su construcción. En ella, Horta consiguió transmitir al exterior la forma y los volúmenes del interior del edificio, poner en manifiesto la estructura del mismo. Modificó el sentido del muro tradicional, no sólo por el empleo masivo del vidrio y del hierro sino también por las ondulaciones de la fachada, consiguió que este nuevo edificio no fuese discordante en su entorno.

external image 250px-BE_Bruxelles_Horta_Solvay.JPGexternal image Brussels-Hotel%20Tassel,%20ext.%20facade.jpgCasa del Pueblo
Casa Solvay

Este artista inglés fue un arquitecto y diseñador de muebles que perteneció al movimiento Arts & Crafts. Charles Voysey fue uno de los primeros artistas que se interesó por el término diseño industrial. El artista es reconocido por sus diseños de casas rurales (cottages). Sus primeras obras fueron diseños en papel pintado, y algunos estampados textiles en un estilo Arts and Crafts, pero Voysey es caracterizado por su trabajo como arquitecto. Las casas rurales de las que hablábamos tienen un diseño simple pero original, constan de grandes tejados y novedosas, digamos que el artista abandona la tradición. Algunas de sus obras son las siguientes:

external image 486592621_fe621a38cf.jpgexternal image Spade_House.jpgSpade House, Sandgate, Kent
Annesley Lodge, Hampstead, Londres, 1896

Este arquitecto español es un gran representante de la arquitectura modernista en la Región de Murcia, gran parte de sus obras se hayan en Cartagena. En la mayoría de sus obras, Beltrí utiliza todos los elementos usuales del modernismo, el cristal, el hierro y la cerámica. Su primera obra en Cartagena fue la Casa Cervantes, esta obra fue de tal agrado que, a partir del momento, no dejó de trabajar en otros encargos. De alguna manera Víctor Beltrí llegó a ser el arquitecto por excelencia de la burguesí cartagenera de su época, gracias a sus obras Cartagena tiene la misma estética en todo sus caso antiguo. Veamos a continuación algunas de sus obras más conocidas:

external image 799px-Cartagena_club_regatas.jpgexternal image 417px-Cartagena_casa_tarraga.jpgexternal image 799px-La_Union_mercado.jpg
Fotos: 1. Club de Regatas de Cartagena 2. Casa Tarraga en Cartagena 3. Mercado de La Unión
Gracias a Lluís Domènech i Montaner se definió la arquitectura modernista en Cataluña. El estilo de este artista tiene una mezca de racionalismo y ornamentaciones de carácter hispano-árabe, además del gusto que tiene por lo curvo, característica esencial del modernismo. El Restauran del Parc de la Ciutadella de Barcelona, muestra una esctructura novedosa para su tiempo, Lluís Domenèch utilizó una estructura de hierro, combinada con mosaicos, que luego desarrollaría en su obra más sobresaliente, el Palau de la Música Catalana (1908). Toda su obra presenta las mismas características, consiguiendo en ellas una sensación de ligereza digna de observar. Además del Palau de la Música, otra obra del autor muy reconocida actualmente es el Hospital de Sant Pau.

external image HospitaldeSantPau.jpgexternal image barcelona_116.sized.jpg Palau de la Música Catalana
Hospital Sant Pau

  • Antoni Gaudí (Riudoms o Reus, 25 de junio de 1852Barcelona, 10 de junio de 1926)
De Antoni Gaudí podemos decir sin ninguna duda que es el máximo representante del modernismo catalán (El modernismo catalán empezó sobre 1900, buscaban una identidad propia, un arte propio de Cataluña, rechazan el academicismo y buscan la modernidad). Gaudí estudió la geometría y el volumen para luego aplicarlo a sus obras, en sus estudios previos al algún trabajo realizaba una maqueta tridimensional, tenía además una gran imaginación que le permitía proyectar en su mente la obra. Era un artista muy meticuloso, tenía estudiados hasta los más pequeños detalles de sus creaciones, además de integrar en sus obras combinaciones de cerámica, vidriería, forja de hierro y carpintería, entre otros. Gaudí también adquirió reconocimiento porque creó nuevas técnicas a la hora de manipular el material, creó su famoso "trencadís", que consiste en un mosaico realizado con piezas de cerámica, la mayor parte de sus obras tienen integrada esta técnica. Crea así un estilo muy personal, Gaudí se inspiraba en la naturaleza, de ahí la utilización de formas geométricas. Antoni Gudí posee una extensa obra, pero nosotros destacaremos tres en concreto, las más conocidas, El Parc Güell, La Casa Batlló, y La Sagrada Familia. En ellas vemos reflejadas todas las características propias del autor. Las primeras obras de Gaudí se desarrollaron bajo la influencia del historicismo (influencia medieval), entre ellas se encuentran la Casa Vicens donde se funden influencias del arte mudéjar y lo oriental, y el Capricho de Comillas. En 1886 comenzó a construir el Palacio Güell, en 1889 el Palacio episcopal de Astorga y el Colegio de las Teresianas. En esta última obra la escasez económica se compensa con la originalidad y creatividad de los arcos parabólicos. En la segunda etapa de su obra (1900-1917) comenzó a interesarse por las formas orgánicas (naturaleza). En estos momentos comenzó a construir el Parc Güell. Güell fue para Gaudí una especie de mecenas contemporáneo que le hizo numerosos encargos, entre ellos una especie de barrio que nunca se llegó a finalizar. La Casa Batlló no es íntegramente suya sino que es la reforma de una casa ya construida. Batlló era industrial textil y dueño del inmueble, le encomendó a Gaudí que realizara la reforma, y éste hizo algunas modificaciones en el interior y recubrió la fachada con "trencadís". En 1906 comenzó a construir la Casa Milá, más conocida como la Pedrera, nombre originalmente despectivo, ya que en al principio no fue de agrado para el público, aunque hoy se considera una de sus obras más geniales.
La Sagrada Familia fue un encargo de la asociación de devotos de san José, hoy está inacabada puesto que Gaudí sólo llegó a construir una pequeña parte de la misma. Las influencias del Gótico son visibles, pero es palpable el personal estilo de Gaudí.


external image Park_G%C3%BCell_-_Pabellones.jpgexternal image 450px-Casabatllo2.jpgexternal image 450px-SF_-_lago.jpg
  • Josef Hoffman (Pirnitz, Moravia - hoy República Checa, 15 de diciembre de 1870 - Viena, 7 de mayo de 1956)
Fue arquitecto y diseñador industrial. El lenguaje que utliza para sus trabajos introducen formas cuadradas y regulares, poseen una clara funcionalidad y una variedad abstracta. Fue un artista un tanto individualista, combinó su trabajo con la a sencillez de los trabajos fabricados a mano con un ornamento realmente éstetico.
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1. Palacio Stoclet (Bélgica) 2. Sanatorio de Pukersodrf (Viena)
Este arquitecto fue discípulo de Lluís Domènech i Montaner. Josep Puig se inspira en la casa de campo de la aristocracia catalana pero añadiéndole elementos nórdicos. Respecto a este estilo, reconocemos algunas de sus obras más sobresalientes, como por ejemplo: la Casa Amatller, la Casa Martí y, en especial, la Casa de les Punxes o Casa Terradas:

external image 800px-Spain.Barcelona.Casa.Ametller.y.Batllo.jpgexternal image 400px-Puig.i.Cadafalch.Casa.Mart%C3%AD.4Gats.Barcelona.Entrada.JPGexternal image casa_de_les_punxes.jpg
1. Casa Amatller 2.Casa Martí 3. Casa de les Punxes
Wagner era austriaco, donde el modernismo era llamado con el nombre de Sezession. Estudió en Viena y Belín. En 1894 llegó a ser profesor de la Academia de Viena, donde pronunció un discurso de ingreso que reflejaba cuales eran sus ideas con respecto a la arquitectura: ésta debía ser racional, adecuarse a la función para la que es concebida y, al mismo tiempo, separarse de todo lo hecho hasta este momento, romper con la tradición. En 1889 construyó la Casa de las Mayólicas.

la Casa de las Mayólicas
la Casa de las Mayólicas

Charles se dedicó a la arquitectura, a la pintura y a la acuarela. El artista escocés tuvo gran importancia en el movimiento Arts & Crafts. Fue uno de los mayoeres artistas modernistas del panorama escocés. Tiene un estilo protomodernista, su intención era romper con lo anterior. Llegó a ser conocido por exponer sus muebles en la Secesión de Viena. Sus obras más destacada son: la Hill House, La ecuela de arte de Glasgow y The Willow Tearooms.

external image HillHouse.jpgexternal image Wfm_glasgow_school_of_art.jpgexternal image 388px-The_Willow_Tearooms.jpg

d) Poesía.
La poesía modernista se desarrolló entre 1880 y 1910. Es una poesía con un carácter rebelde, un tanto narcisista, y aristócrato, se interesaron por una renovación del lenguaje, así como de la utilización de una nueva métrica. Las características fundamentales de la poesía modernista son las siguientes:

- Reniegan de la cotidianidad, rechazan la realidad en la que viven. Los autores prefieren perderse en el tiempo o en espacio, describiendo así otras épocas y lugare éxoticos.
- Les interesa la belleza conseguida a través del arte.
- Al igual que en el arte, recurren al uso del sensualismo y mitología.
- Como hemos dicho anteriormente, rechazan la realidad en la que viven, la sociedad del momento, buscan la soledad como inspiración.
- Al ser una poesía rebelde, buscan una renovación del lenguaje y del método, utilizando galicismos, cultimos y helenismos.
- Tratan el tema del modernismo por excelencia, el amor y el erotismo relacionado directamente con la mujer, aquella femme fatale de la que hablábamos. El amor imposible es causa de muchas de sus poesías.
  • Rubén Darío (Metapa, Matagalpa, 18 de enero de 1867 - León, 6 de febrero de 1916)
Rubén Darió fue un gran literario del modernismo en la la lengua española. Tiene gran importancia en la poesía hispana del siglo XX. El poeta nicaragüense se caracteriza por una gran influencia de la poesía francesa, este predominio se deja ver en muchos de sus poemas, hasta el propio autor escribió:
"El Modernismo no es otra cosa que el verso y la prosa castellanos pasados por el fino tamiz del buen verso y de la buena prosa franceses".
El primero poema de Rubén Darío fue escrito en 1905, Cantos de vida y esperanza.

Yo soy aquel que ayer no más decía
el verso azul y la canción profana,
en cuya noche un ruiseñor había
que era alondra de luz por la mañana

El dueño fuí de mi jardín de suño,
lleno de rosas y de cisnes vagos;
el dueño de las tórtolas, el dueño
de góndolas y liras en los lagos;

(Fragmento de Cantos de vida y esperanza, 1905, Rubén Darío)

La obra Prosas profanas y otros poemas, mara la etapa modernista más plena del autor. Esta obra consta de una serie de poemas que tratan temas erótico, además, de adentrase de fondo en temas mitológicos y, sobretodo, exóticos.

Yo adoro a una sonámbula con alma de Eloísa,
virgen como la nieve y honda como la mar;
su espíritu es la hostia de mi amorosa misa,
y alzo al són de una dulce lira crepuscular

Ojos de evocadora, gesto de profestisa,
en ella hay la sagrada frecuencia del altar:
su risa en la sonrisa suave de Monna Lisa;
sus labios son los únicos labios para besar.

Y he de besarla un día con rojo beso ardiente;
apoyada en mi brazo como convalenciente
me mirará asombrada con íntimo pavor;

La enamorda esfinge quedará estupefacta;
apagaré la llama de la vestal intacta
¡y la faunesa antigua me rugirá de amor!


Poeta nacido en Colombia, es reconocido como uno de los percusores del modernismo en la literatura hispanoamericana, seguido de Rubén Darío, quien llevaría este estilo a su cúspide. Parte de la obra de Silva se perdió en un naufragio un año antes de su muerte, de las más conocidas, destacamos: "De sobremesa" y "Nocturno", poema dedicado a su hermana Elvira.
La obra "De sobremesa", está escrita como si fuese un diario del propio escritor, para leer ese libro tenemos que comprender que son testimonios propios de la época en la que vivía. En esta obra encontramos los sufrimientos que padecía, así como numerosos problemas, ya fuesen morales, artísticos, polítcos o religiosos.

Oh dulce niña pálida, que como un montón de oro
de tu inocencia cándida conservas el tesoro;
a quien los más audaces, en locos devaneos
jamñas se han acercado con carnales deseos;
tú, que adivinar dejas inocencias extrañas
en tus ojos velados por sedosas pestañas,
y en cuyos dulces labios - abiertos sólo al rezo-
jamás se habrá posado ni la sombra de un beso...

(Fragemento de "Nocturno", José Asunción Silva)

José Martí fue más que poeta, fue patriota cubano, defendía la independencia de Cuba, además de ser político y poeta, fue periodista y filósofo. Creó el Partido Revolucionario Cubano. Pero centrándonos en su obra literaria, destaca por su estilo fluido y simple, se centraba en sus experiencias personales. Sus obras constan de 73 volúmenes, que empezaron a publicarse en 1936. Se le considera un gran percusor del modernismo iberoamericano.
Destacamos de José Martí "Ismaelillo" (1882) y "Versos sencillos" (1891).

PRÓLOGO
Hijo:
Espantado de todo me refugio en tí.

Tengo fe en el mejoramiento humano, en la vida futura, en la utilidad de la virtud, y en tí.
Si alguien te dice que estas páginas se parecen a otras páginas, diles que te amo demasiado para profanarte así. Tal como aquí te pinto, tal te han visto mis ojos. Con esos arreos de gala te me has aparecido. Cuando he cesado de verte en una forma, he cesado de pintarte. Esos riachuelos han pasado por mi corazón.
¡Lleguen al tuyo!
(Ismaelillo, 1882)
  • Amado Nervo (27 de agosto de 1870, Tepic - Montevideo, Uruguay, 24 de mayo de 1919)
Además de los poemas que encontramos en la obra del poeta, éste también escribió novelas y ensayos. Se caracteriza por el dramatismo con el que ecxribe, por su tristeza, reflejando una marcada melancolía. Amado Nervo poco a poco abandona la rima e incluso los ritmos, características principales de su estilo. Podemos destacar de todo el conjunto de su obra cuatro creaciones: "Serenidad", "Elevación", "Plenitud" y "La amada inmóvil". Y si hablamos de sus poemas, uno de los más reconocidos es el siguiente: Si Tú me dices: "¡Ven!", lo dejo todo...

Si Tú me dices: "¡Ven!", lo dejo todo...

No volveré siquiera la mirada
para miera a la mujer amada...
Pero dímelo fuerte, de tal modo

que tu voz, como toque de llamada,
vibre hasta el más íntimo recodo
del ser, levante el alma de su lodo
y hiera el corazón como una espada.

Si Tú me dices: "¡Ven!", todo lo dejo.
LLegaré a tu santuario casi viejo,
y al fulgor de la luz crepuscular;

mas he de compensarte mi retardo,
difundiéndome, ¡oh Cristo!, como un nardo
de perfume sutil, ante tu altar.

(Si Tú me dices: "¡Ven!", lo dejo todo...)

2.6. El Modernismo Musical

Como ya conocemos el Modernismo se desarrolla principalemente en dos ciudades, París y Austria, de misma manera que las artes gráficas y la arquitectura, la música también queda asociada a ambas. Las características fundametnales del modernismo musical se podrían resumir en las siguientes:

- El modernismo es una reacción contra el Romanticismo en cuanto a la música, los músicos modernistas no buscan lo emotivo, buscan un arte más intelectual.
- No es un arte común, cada compositor intenta crear su propio estilo, con sus propias singularidades.
- Se crea la orquesta, y con ello, se individualiza el sonido de cada instrumento.
- Renace la música de cámara pero disminuye la música coral.
- Se experimenta con nuevos tonos y timbres, añadiéndo instrumentos de naturaleza electrónica.
- Se añade el ruido a la música, hay una cierta liberación e independencia de la melodía.

Algunos de los más conocidos compositores modernistas fueron:
  • Mauricio Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875 – París, 28 de diciembre de 1937)
De procedencia francesa, este compositor queda vinculado a tales estilos como el impresionismo, el necloasicismo y con rasgos del expresionismo. Con Ravel se revolucionan nuevas maneras de componer para piano y para orquesta. Se caracteriza por ser muy expresivo y sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert). Sin duda, una de sus obras más conocidas es su Bolero.

  • Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 — Múnich, 29 de marzo de 1982)
Carl Orff fue un gran compositor musical alemán del que destacamos, sin duda alguna, su obra más conocida, Carmina Burana. Es roconocido por sus obras para teatro y pedagogía. En Carmina Burana mezcla poesía con un tipo de música de carácter intenso, representada por una gran orquesta y coro. Consigue que la composición suene enérgica y vibrante.



  • Manuel de Falla (Cádiz, España, 23 de noviembre de 1876 - Alta Gracia, Argentina, 14 de noviembre de 1946)
Fue un compositor romántico español, uno de los más importantes de la primera mitad del siglo XX en España. Sus obras más celebres las compuso en París, la pantomima El amor brujo, el ballet El sombrero de tres picos, las Siete canciones populares españolas para voz y piano, la Fanasía Baetica para piano, y Noches en los jardines de España.





3. Art Decó

3.1. Introducción

En Francia, desde 1912 se había planeado una exposición internacional de los productos franceses salidos de las casas de diseño e invitar a los países europeos a que mostrasen sus adelantos en materia de diseño y decoración.
Sin embargo, debido a las dos guerras mundiales, la Exposición Inmternacional de las artes decorativas e industriales modernas (que así era como se conocía) tuvo que celebrarse finalmente en 1925. Esta exposición supuso el inicio del Art Decó.
Tras esta exposición hubo otras dos más en Paris relacionadas con este estilo: la Exposición Internacional Colonial de 1931 (reflejo de culturas africanas y asiáticas de Francia) y la Exposición Internacional de las Artes y Técnicas (reflejo de los avances decorativos y técnicos), y en EEUU: Century of Progress en 1933 (primó la fuerza solar), Golden Gate Exposition en 1939 (reflejo de culturas orientales) y New World´s Fair (resurgimiento del estilo aerodinámico).

3.2. Contexto histórico

Podemos enmarcar esta corriente en los veinte y los treinta, el periodo de entreguerras, la "Belle Epoque", los "años Locos", en definitiva, en el Modernismo del siglo XX.

En esta época se aplica el diseño de muebles, aparatos domésticos, transportes y mass media usando líneas rectas, geométricas y compactas en relación con la máquina industrial. El Palais Stoclet de Hoffman o los Ballets Russes de Sergei de Diaghilev son un ejemplo de ello.
Todo ese diseño de productos es llevado a cabo por medio de materiales caros y extraños tales como cromo, metal de color argentino y cristalino, baquelita, resina sintética y moldeable, plásticos, maderas exóticas, ébano, concha de tortuga (carey), piel de serpiente o tiburón. Lujos que reflejaban las excentricidades del status social de la clase acomodada. No obstante, la clase no acomodada quería acceder también a esos nuevos objetos de diseño exclusivo por lo que surgen los productos copiados.

Podemos hablar entonces de una época de consumo que provoca que los grandes almacenes comerciales sean decorados atractivamente para captar la atención de los consumidores.
Así, con la era de la máquina industrial se consagra el triunfo de la motorización y con ellos del mundo moderno y mecanizado. Surge además el vals, el jazz y los sombreros encasquetados que definirán aún más el Art Decó.

De este modo se puede concluir definiendo el Art Decó como una mezcladel estilo cubista, la era industrial y las artes rusas que alcanzó su máximo esplendor desde la exposición de 1925. Así, afecta a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

3.3. Etapas

Dentro del Art Decó hay dos periodos correspondientes a dos líneas estéticas del estilo, el Zigzag y el Stream Line.
El primero (1920-1929) se desarrolló en Europa y se basó en culturas pasadas como la de Egipto, Mesopotamia o Mesoamérica. En su decoración destacan los triángulos encadenados y superpuestos y líneas y composiciones geométricas en movimiento.
El segundo (!930-1939) tuvo lugar en EEUU y representa la era de la recuperación económica tras el crack del 29. Así, hombres desnudos y fuertes controlan máquinas, rodeados por líneas horizontales, curvas aerodinámicas y abstracciones de la velocidad.

3.4. Características, Estilos

Surgieron una serie de características que buscaban la decoración por encima de la funcionalidad:
  • Se basa en la geometría del cubo, la esfera y la línea recta, los zigzags; conjuntos horizontales y verticales de líneas rectas o perpendiculares combinadas con medias y enteras circunferencias, hexágonos y octógonos.
  • La energía se convierte en el motivo principal por lo que soles con rayos luminosos radiantes, nubes trazadas rígidamente u ondulaciones que buscan representar fluidos acuáticos son muy característicos.
  • El uso de animales como las gacelas, galgos, panteras, palomas o garzas es muy abundante debido a su enorme relación con la velocidad, logrando así esa sensación de dinamismo que buscaban.
  • Dentro de la flora, las plantas más usadas son los cactus y las palmeras.art_deco_card_01_front.jpg
  • Las imágenes de fuentes congeladas son empleadas en objetos decorativos y arquitectónicos.
  • Como ya se dijo, predominan los materiales caros y extraños tales como cromo, baquelita, carey, plástico, maderas exóticas, ébano y palisandro.
  • Las culturas antiguas sirven de inspiración a numerosos autores
  • La máquina simboliza la nueva era de la mecanización: automóviles, locomotoras, barcos, aviones; así como los electrodomésticos y la energía eléctrica.
  • Finalmente, aparecen hombres (gimnastas, obreros o engominados) desnudos o en posturas circulares y vertiginosas sometidos al mundo mecanizado. Reflejan el ímpetu de la época. Además, se emparejan con mujeres que demuestran tanta fuerza que hace pensar sobre la emancipación de la mujer en el siglo XX.

3.5. Autores y Obras

La mayoría de los autores más característicos de este movimiento surgieron, sobre todo, como motivo de la Exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales Modernas, en 1925.

Por este motivo, podemos mencionar a René Lalique (1876-1945) diseñadora de las fuentes congeladas de la Puerta de Honor del Grand Palais, Maurice Dufrenne (1876-1955) que se encargó de iluminar con diversos colores el puente Alejandro III o Paul Piriet (1879-1944) fundador del "Ateleier Martine", tres barcos con lujosos interiores.

Además, cuatro pabellones mostraban lo más depurado del Art Decó. Entre esos pabellones destacan el pabellón Studium diseñado por Albert Laprade (1833-1978), el pabellón de Au Printemps -apodado Primavera- fue diseñado por Henri Sauvage (1873-1932) y Georges Wybo. Los pabellones Au Bon Marché -considerado Pomone- cuya arquitectura corre amanos de Louis- Hyppolyte (1898-1948) y cuyo interior corresponde a Paul Follot (1877-1941) Por último cabe destacar el pabellón de los almacenes Laffayette -apodado La Maitrise- ocupa el primer lugar de los cuatro, el cual es diseñado arquitectónicamente por Joseph Iriart, Georges Beau e interiormente por Maurice Dufrenne (1876-1955).
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Pabellón Pomone
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Pabellón Primavera


















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Pabellón Maitrise

Apareció también el pabellón la Embajada Francesa pues, aprovechando que la exposición tenía lugar en su país, querían ser modelo de nación diplómatica para las demás.Dentro de este pabellón podemos englobar a los artistas más destacados del Art Decó, la Societé des Artistes Décorateurs: Maurice Dufresne (1876-1955), Jean Dunand (1877-1942), André Groult (1884-1967), Pierre Chareau (1833-1959) y Paul Follot (1877-1941)


A nivel internacional, destacaron en particular el pabellón de Polonia (Republique Polonaise) diseñado por Joseph Czajkowski (1872-1947), el pabellón soviético de Konstatin Melnikov (1890-1974) caracterizada por su ausencia de decoración y el pabellón del Espirit Nouveau creado por Le Corbusier (1887-1965) y Amedée Ozenfat (1886-1966) que sustituyeron el uso de elementos decorativos por máquinas para vivir, es decir, construir casas usando avances tecnológicos de la época.

Finalmente, queda mencionar autores internacionales que destacaron en las exposiciones celebradas tras 1925, entre ellos destacan Daniel Burhman, William Holabird y Bennet.

Fuera de esta exposición, influyó también en el cine de principios del siglo XX, un ejemplo de ello es el filme Metrópolis (1927) de Fritz Lang, que narra con deslumbrantes escenografías (inspiradas en la Escuela de Chicago de arquitectura) las tomas de la ciudad, pero sobre todo, donde el robot, por estar asociado con la idea de mecanización propia de la época, es considerado como una de las imágenes más reconocibles del Art Decó.



4. Conclusión

Tanto el Modernismo como el Art Decó, son movimientos consolidados que contaron con grandes artistas, e influyeron fuertemente en los estilos y movimientos artísticos que surgieron después. Los dos sufrieron los efectos destructivos de las guerras mundiales, ya que el Modernismo acabó con la Primera Guerra Mundial, por los altos precios que requería, y el Art Decó acabó con la Segunda Guerra Mundial dadas las austeridades impuestas por ella.

5. Enlaces



6. Bibliografía