1- Introducción y definición del signo gráfico


El ser humano siempre ha tenido la necesidad de comunicarse con sus semejantes. Las primeras formas comunicativas fueron mediante elementos visuales, antes de que desarrollasen capacidades de expresión mediante el lenguaje hablado. Junto con los elementos visuales, se encontraban también la utilización de su cuerpo, expresiones y signos que, con el tiempo, adquirieron la condición de lenguaje al conversirse en modelos de comunicación como podemos comprobar en las escrituras cuneiformes (forma más temprana de expresión escrita).

Un signo es todo carácter gráfico que por su forma, convenio o naturaleza evoca la idea de algo.

Todo signo contiene un determindo significado que se da por convención. Por ejemplo nuestro alfabeto está constituido por signos gráficos convencionales.

El signo se puede dividir en dos partes: Una parte sería el significante y otra el significado. La primera es la forma, el aspecto sintáctico, el elemento perceptible. Sin embargo, la otra parte hace referencia al nivel semántico, es decir, al concepto, al mensaje que quiere transmitir.

Elementos de un signo


Los elementos visuales constituyen la sustancia básica de lo que vemos. Siempre que se diseña algo, se boceta, se dibuja, se esculpe o se garabatea, la obra se basa en una lista básica de elementos. Entre los elementos básicos de un signo, podemos destacar el punto, la línea, la forma, el color, la textura, la dimensión, etc.

1. El punto es la unidad gráfica más pequeña. También se puede definir como la unidad más simple de comunicación visual. Cualquier punto tiene una gran fuerza visual de atracción sobre el ojo, tanto si su existencia es natural como si ha sido establecido allí por alguna persona con algún propósito determinado.
El punto tiene dos funciones muy importantes:
  • Actuar como centro visual (el punto tiene una fuerza especial de atracción sobre el espectador).
  • Crear direcciones visuales (son capaces de dirigir la mirada): Si el punto se encuentra en el centro de una composición, nos da una sensación de equilibrio y armonía, sin embargo, si el punto se sitúa cerca de los bordes de la imagen, provoca una impresión de dinamicidad e inestabilidad.

2. La línea es una sucesión interrumpida de puntos o, se define también como un punto en movimiento. En las artes visuales, la línea tiene una enorme energía. Tiene una gran flexibilidad y libertad, pero a la vez es precisa y tiene una dirección y un propósito concreto. Es un instrumento para la escritura, para la música, para el dibujo de mapas, y, sobre todo, es el elemento esencial del dibujo. Es un elemento que puede adoptar formas muy distintas para expresar diferentes temas y sensaciones: puede ser fina, gruesa, ondulada, recta...es un elemento muy personal.

En un diseño gráfico o en cualquier otra composición, podemos encontrarnos con líneas implícitas o explícitas (al igual que el punto):
  • Líneas implícitas: No son una línea propiamente dicha, pero tienen existencia visual.

linea_implicita.jpg

  • Líneas explícitas: Son líneas visibles físicamente.

lineas_explicitas.png


Los diferentes tipos de líneas nos dan sensaciones completamente distintas:
  • Línea horizontal: Se asocia con la solidez, estabilidad y firmeza.

linea_horizontal.jpg

  • Línea oblicua: Se asocia con la profundidad.

coche_(línea_oblicua).jpg

  • Línea quebrada: Se asocia con la angustia, rigidez, presión, pesadez, etc.

linea_quebrada.jpg


  • Línea curva: Se asocia con el movimiento y el dinamismo.

lineas_curvas.jpg


3. La forma es otro elemento básico de la comunicación visual. Se define como una figura libre y visualmente delimitada que se interpreta como un determinado objeto. Algo particular de la línea es que necesita otros elementos para existir como el punto, la línea (contorno) o el color.

Todos los contornos expresan tres direcciones visuales básicas y características: el cuadrado (formado por la línea horizontal-vertical), el triángulo (la diagonal) y el círculo (la curva).
Cada una de las direcciones visuales tiene un gran significado asociativo:
  • El cuadrado: Nos proporciona sensación visual de estabilidad y solidez al tener los lados y los ángulos idénticos.
  • El triángulo: Nos da la sensación de dinamismo por las líneas oblicuas que lo constituyen. Es una figura muy inestable y provocadora.
  • El círculo: Nos causa impresión de equilibrio, pureza y esplendor.


4. El color es un elemento imprescindible en el diseño gráfico. Lo más importante del color es que está ascociado a sensaciones y sentimientos, puesto que cada color posee determinadas cualidades que afectan emocionalmente al espectador, aunque esas sensaciones, son generadas también por la cultura de cada individuo. Por ejemplo, el blanco para la cultura china está ligado a la muerte y en nuestra cultura el blanco es el color de la pureza y la paz.

Gracias a este elemento, somos consientes del aumento del **grado de iconicidad** de una imagen, ya que parece más verosímil y, por supuesto, el color proporciona estilos visuales y expresivos.

Los colores cálidos se consideran: estimulantes, alegres y excitantes y los fríos: tranquilos y, en algunos casos, deprimentes. Podemos afirmar que los colores cálidos son: el rojo (se vincula con la pasión, el amor, la vida, etc), el amarillo (se asocia con la jovialidad y el calor, aunque también es el color de la mala suerte) y el naranja (es una mezcla de ambos).
Los colores fríos, por el contrario, tienen una significación completamente diferente y son: el azul (se asocia a la tranquilidad, a la calma; pero también a la tristeza) y el verde (es el color de la esperanza y de la naturaleza).


cirulocormatico.gif
Círculo cromático


Un color tiene determinadas propiedades: tono, saturación y luminosidad.
  • Tono: Diferentes colores que se sitúan en el círculo cromático.
  • Saturación: Máxima pigmentación de un color.
  • Luminosidad: Cantidad de luz reflejada por un color.


Hay dos formas de relación entre colores:
  • La armonía:
Es una combinación de colores próximos entre sí en el círculo cromático, con lo cual proporciona al espectador equilibrio y tranquilidad al contemplarla. Hay diferentes técnicas de armonía, podemos destacar la armonía de colores (colores próximos en el círculo) o la armonía monocromática (un color, pero con diferentes luminosidades).

armonia.jpg
Armonía cromática

  • El contraste:
Es un procedimiento opuesto a la armonía, ya que se forma gracias a la utilización de colores alejados o distanciados en el círculo cromático; es decir, produce en el espectador una sensación de energía y tensión, pero, a la vez, es una composición que llama mucho la atención del público. Podemos destacar diferentes técnicas como el contraste entre tonos cálidos y fríos o el contraste de luminosidad o claro-oscuro (mezcla de un color claro con otro oscuro o saturado de negro).

contraste.jpg
Contraste de colores




5. La textura es otro elemento del signo gráfico que sirve para expresar visualmente el sentido del tacto en una determinada composición. Es un elemento que se consigue gracias a las luces y sombras. Aporta sensación de aspereza, suavidad, tersura...con lo que también contribuye a la iconicidad de una imagen.


suavidad.jpg
Sensación de suavidad



2- Antecedentes: Prehistoria


Las manifestaciones más antiguas del signo gráfico se dieron hace, aproximadamente 30.000 años en forma de pintura, siendo cada vez más abundantes y diversas hasta llegar a la época neolítica. El punto cumbre de estas se produjo hace 10.000 años con la cultura magdaleniense.Las manifestaciones que encontramos se pueden clasificar de la siguiente manera.

Arte parietal:


Pinturas rupestres que se localizan en el sur de Francia y la zona Cantábrica (Región Franco-cantábrica). Hace uso de una variada policromía, colores que extrae de la naturaleza. Suelen ser colores rojos y negros. Representan temas relacionados con la fauna que le rodea, sobretodo animales herbívoros, el animal carnívoro más representado era el oso.

Aparecen animales propios de ambientes y climas fríos.

Asimismo encontramos signos abstractos no exentos de significado y representaciones alusivas a la sexualidad. Aparecen pinturas de rasgos antropomorfos cuya figura nos recuerda a los simios o a veces pueden hacer referencia a los hechiceros. El significado de estas pinturas tiene que ver con aspectos de carácter mágico con el fin de propiciar la caza.

El lugar donde se pintaba eran los santuarios y la técnica que utilizaban era hacer las siluetas de los dibujos de una forma naturalista en diversas posturas. El contorno de las figuras lo dibujaban con color negro y después lo rellenaban de color (generalmente tonos rojizos). Una de las características más llamativa de estas pinturas es que aprovechaban los salientes rocosos para crear un efecto de relieve. Pintaban con una perspectiva torcida, colocaban al animal de perfil y giraban la cabeza. En ocasiones se utilizaba otra técnica que consistía en multiplicar el número de extremidades de la figura para crear una sensación de movimiento.También, se pintaban también manos en positivo y en negativo.

En la zona Franco-Cantábrica hay una serie de cuevas donde encontramos todas estas pinturas. La más destacada e importante de ellas es la cueva de Altamira. Hay otras en Asturias, como la cueva de Tito Bustillo, y en Francia como la cueva de Lascaux. A veces, aunque menos frecuentes, nos encontramos pinturas de mamuts, los cuales representan épocas frías.

El significado de estos dibujos es de carácter espiritual y supersticioso, su función no estaba pensada para crear belleza, es más, en los lugares donde se pintaba solo podía acceder el mago encargado de dibujar en las paredes todos estas representaciones.

external image 05altamira.jpg


Arte del neolítico o pintura levantina:

Se produjo hace 6.000 años aproximadamente.
Se caracteriza por pintar animales más parecidos a los contemporáneos.
Principalmente se localiza en el Mediterráneo donde se le denomina Pintura levantina .
Se pinta al aire libre, en abrigos (oquedades producidas en la piedra caliza). En estas manifestaciones pictóricas, el hombre adquiere un gran protagonismo y se pintan escenas de caza, recolección, ritos sobre magia…
Es una pintura principalmente esquemática. Los dibujos son dinámicos. Encontramos también imágenes relacionadas con la fecundidad.

yegua-1.jpg external image pintura_levantina.jpg





3- Mesopotamia


Para hablar del signo gráfico en Mesopotamia, antes tenemos que hacer mención, grosso modo, a su contexto histórico y cultural.

Esta civilización, de cultura teocrática, está situada en una zona de grandes conflictos políticos y sociales que se reflejaron también en el terreno artístico. Era un pueblo en el que su vida se basaba en la caza y la agricultura. Fue inovador en el levantamiento de templos y ciudades, en la utilizacion y manipulacion del metal y en la aparicion de la escritura.

En una línea temporal, situamos paralelamente su historia con la de Egipto, comenzando torno al 3000 a.C. También es importante destacar que, al igual que en Egipto, sus rios fueron fundamentales para su desarrollo. A pesar de estas similitudes, Mesopotamia no llegó a ser una civilización tan avanzada como la egipcia ya que utilizaban materiales más pobres debido a su escasez de materia prima.

En lo referente al arte nos encontramos con una gran variedad de formas y estilos.

En escultura se representaban, sobre todo, dioses, soberanos o funcionarios siempre de forma individual. Era una escultura dotada de simplicidad en las formas gracias a la ley de la frontalidad y al geometrismo. También se representaban animales y éstos estaban elaborados de tal forma que presentaban un mayor realismo.

En pintura el rasgo más característico es la ausencia de perspectiva. Aunque tenemos pocas muestras de estas manifestaciones artísticas coincidimos que su fin era principalmente decorativo. El uso de color es muy pobre y poseía jerarquización, es decir, los individuos de un mayor rango se representaban en mayor proporción que los de rangos inferiores.

20070417klplyllec_183.Ges.SCO.pngEl signo gráfico mesopotámico, al igual que el egipcio, lo encontramos fundamentalmente elaborado en soportes sólidos - en el caso de los mesopotámicos era arcilla. Antes, la primera manifestación de signo gráfico lo encontrabamos en las llamadas pinturas rupestres.

Entre muchas otras aportaciones, los mesopotámicos, impulsados por los sumerios, nos dieron la llamada escritura cuneiforme, consistente en pictogramas y fechada alrededor del año 3.100 a.C. Este tipo de signo gráfico era ideográfico y su uso consistía principalmente en registrar bienes e ingresos aunque también podemos encontrar otras temáticas muy interesantes que nos muestran la historia de esta civilización. Éste, además, se puede considerar como un sistema completo con más de 700 signos distintos.

Esta escritura, como antes habíamos mencionado, se realizaba en tablillas de arcilla cortadas en columnas verticales. Dentro de ellas se grababan pictogramas (como el que podemos ver en la imagen) con un punzón.

El sistema de escritura cuneiforme se fue perfeccionando con el tiempo: se fue realizando una sintaxis, ordenando así las palabras de izquierda a derecha en horizontal – De la misma manera que escribimos en la actualidad-. Al principio, los signos eran figuras sencillas con significado evidente - por ejemplo, para representar la cebada el signo era una espiga -.

Esta evolución se desarrolló también en el campo de los pictogramas ya que éstos se fueron simplificando, lo que suponía una mayor facilidad a la hora de realizarlos. Esto supuso que los escritos se realizaran con más rapidez y agilidad.

A día de hoy, mantenemos muchas de las tablillas utilizadas por esta civilización gracias a la técnica que utilizaron para preservarlas; cociéndolas.

Este gran avance supuso el desarrollo de esta civilización haciendo que ésta fuera más urbana. Debido a esta evolución, surgen nuevas necesidades como la protección de lo individual o la garantización de tratos. Para solventarlas se crean los llamados sellos cilíndricos en los que se elaboran escenas que quedan marcadas una vez pasadas sobre una superficie de arcilla.



4- Egipto

escrituras-antiguo-egipto.png
letras


El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.

Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del difunto y del dios, por lo que el arte muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto está relacionado con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el medio: la monarquía y la religión.

Este tipo de contrucciones tienen las siguientes características:
-Colosalismo: la construcción resulta desproporcionada en relación a su función.
-Monumentalismo: Impresionan sus tamaños disposición y grandeza.
-Racionalismo matemático: Trascendencia de las formas arquitectónicas y escultóricas.



Tipografía Egipcia

egipcia.gif

Se definen por las siguientes características:

  • Tienen serif.
  • El serif es tan grueso como los bastones, esta es la principal característica que la identifica.
  • Puede ser cuadrado o bien redondo.
  • Las relaciones entre serif y bastón pueden ser angulares o bien curvas


Los primeros tipos de la familia Egipcia, entran en juego hacia el año 1820, con el primer tipo la "clarendon". El tipo clarendon es de rigurosa actualidad, al igual que el Egyptienne usado en fotocomposición. Ofrecen cuerpos medianos para ser usados como textos de libros.

La italiana, una variable de la Egipcia

Laitaliana, una variable de la Egipcia
Laitaliana, una variable de la Egipcia

Consiste en una especie de egipcia muy estrecha, denominada por algunos Colonial y por otros Italiana. Su principal característica reside en el hecho de presentar bastones horizontales más gruesos que los verticales, en forma inversa a la corriente. Es una pequeña familia, con tipos muy armoniosos y muy adecuados para determinados titulares.




Cultura


Época antigua

Los egipcios construyeron monumentales complejos funerarios para sus faraones y grandes templos, con obeliscos en los cuales grabaron los títulos y alabanzas del faraón,y cuya función era guardar la estatua de su Dios. Éstos contaban con numerosas pinturas representando la vida divina o terrenal. También pequeñas piezas de orfebrería, con metales y piedras preciosas, y labores de artesanía realizadas en piedra,fayenza o delicadamente talladas en madera.
Los materiales utilizados proceden del mismo medio geográfico en donde se encuentran: la piedra(sillar) haces de loto y de papiro.
Tenían una técnica muy avanzada: utilizaban rodillos,planos inclinados y el llamado triángulo egipcio cuyos lados medían 3 , 4 y 5 respectivamente.
Lo más característico de este periodo es la tumba y el templo como hemos dicho.Cada una es diferente a otra, existen varios tipos:

  • Tipos de tumba

  1. Mastaba: Es el tipo más antiguo de sepultura.
    mastaba-en-dos-pisos.jpg













  2. Pirámide: Tiene un valor simbólico. El símbolo de Ra ,el dios del Sol son todas las aristas.
    keops_kerefen_y_mikerinos.jpg












  3. Hipogeo: Son enterramientos reales excavados en la roca de la montaña.
    semiespeo.jpg













  • Tipos de templo
  1. Templo solar
    templo_de_ra.jpg
    templo de ra
  2. Speo
    Abu_Simbel,_Ramesses_Temple,_angle,_Egypt,_Oct_2004.jpg
    Ramses II












    3-hemispeo

    semiespeo.jpg
    hat-shepshut

Desarrollaron su propio sistema de escritura, los jeroglificos(cuyo significado se conoce gracias al descifrado de los textos contenidos en la Piedra de Rosetta, que fue encontrada en 1799) que derivó en escritura hierática y posteriormente demótica, simplificando su grafía. El egipcio fue de los primeros pueblos en entrar en la Historia, dejando a la posteridad tratados de medicina, matemáticas y relatos mitológicos e históricos, escritos en papiros o grabados en piedra o madera.

10.20e_Alrededores_de_Sultanahmet_02_(obelisco_egipcio).JPG
obelisco egipcio


  • Escritura hierática

La escritura hierática permitía a los escribas del Antiguo egipto escribir de forma rápida, simplificando los jeroglíficos cuando lo hacían en papiros, y estaba íntimamente relacionada con la escritura jeroglífica. Fue, durante amplios periodos, la escritura utilizada en textos administrativos y religiosos, y su nombre fue utilizado por primera vez por Clemente de Alejandría en el siglo II.

Papyrus_Ebers.png
escritura hierática

  • Escritura Demótica


El término fue utilizado por primera vez por el historiador griego Herédoto, para distinguirlo de la escritura hierática y jeroglífica.Procede,de la anterior, la hierática.Este lenguaje se usaba con fines económicos y religiosos.A diferencia de su procedente que se escribía en papiro u ostraca, este se hace en piedra y madera.Este lenguaje sufrió tres etapas.
Demótico antiguo
Demótico medio (ptolemaico)
Demótico tardío (romano)
DemoticScriptsRosettaStoneReplica.jpg
escritura demótica


Egipto bizantino (395-642)
El cristianismo impuesto por los emperadores romanos sustituyó las creencias anteriores hasta la época de dominación islámica. Sus patriarcas ejercieron notable influencia sobre el resto de la cristiandad. Las manifestaciones artísticas de este periodo egipcio se denominan “arte copto".


  • Arte copto
Es conocido especialmente por sus frescos, textiles, miniaturas y trabajos en metal, muchos de los cuales se conservan en monasterios e iglesias. La artesanía es a menudo funcional, ya que eran pocas las diferencias entre artista y artesano, e incluye túnicas, lápidas y retratos de santos.El arte copto muestra una mezcla de influencias nativas egipcias y helenísticas. Los símbolos y temas fueron tomados tanto de la mitología griega como de la egipcia, a menudo alterada para cumplir con las creencias cristianas. En menor medida, Persia y Siria influyeron también, con motivos como los grifos y el pavo real.
museo-copto.jpg
arte copto

  • Iconografía

Los iconos de Grecia influyeron notoriamente en estos, como se ve en los retratos del Fayum .Las caras de El Fayum son ejemplos de arte copto del Siglo II ADC, con influencias helenísticas y romanas, pero algunos detalles distintivos del arte egipcio.

2953742488404429.jpg
caras de El Fayum


La conquista árabe de Egipto permitió al arte copto influir en el arte y arquitectura del Islam, con formas que luego serían integradas y difundidas por esta cultura.
A inicios del Siglo IV, los frescos en las paredes de los templos y la iconografía constituían una auténtica expresión de la fe cristiana.

Las imágenes de los santos muestran ojos y orejas grandes en relación al resto de la cara, y bocas pequeñas. El conjunto de la figura presenta además cabezas agrandadas, reflejando una mayor espiritualidad. Los rostros de los mártires se mostraban serenos.

Muchos artistas coptos no firmaban sus obras, pero los principales que se conocen incluyen a San Lucas que se cree fue el primer iconógrafo y dos Papas Coptos, Macario I y Gabriel III.

Egipto islámico


El arte islámico logró desarrollarse con influencias locales, sobre todo a partir de los Fatimíes, y ha creado conjuntos arquitectónicos muy bellos, que se pueden ver en El Cairo, en la necrópolis de Asuán etc
Los variados adornos de madera, metal, y cristal de roca diferencian la arquitectura egipcia del resto de la islámica. Aparecen edificios diferentes adaptados a la diferente cultura: mezquitas funerarias y madrasas.Finalmente, la llegada de los otomanos trajo la imposición de los modelos de Estambul.
cairo-islamico-museo-egipto.gif

Todas estas grandes obras tenían que estar sobre algún soporte así que podemos encontrar diferentes columnas muy características de este tipo de arte :
tipo-columna-egipcia.jpg
columnas egipcias

En egipto no sólo cobra importancia la arquitectura,también influyen mucho los relieves ,los grabados y la pintura.En este orden iremos enumerando sus características y poniendo ejemplos con fotografías reales.
Cabe mencionar que todo esto es muy importante porque desde esa época hasta nuestros días,esos símbolos se siguen considerando como arte gráfico.









5- Grecia


Grecia constituye las raíces de la cultura occidental. En el caso de los inicios del signo gráfico en Grecia, cabe destacar de ésta: la religión y el arte, fundamentalmente.

Su religión y mitología, a pesar de haberse dejado de practicar hace más de 1500 años, ha llegado hasta nosotros, de forma que todos conocemos sus mitos y tradiciones.

El arte griego supone una expresión estética, equilibrada y armónica. En las esculturas, las figuras, representaban los <<movimientos del alma>> según Sócrates. De la pintura apenas quedan restos, sólo algunas pinturas murales y mosaicos se conservan en Pompeya.

Podemos dividir la historia del arte griego en varias etapas, para analizar más fácilmente su relación con el diseño gráfico:

Arte prehelénico: Creta y Micenas


El arte prehelénico está compuesto por todo el desarrollado en las islas y costas de la Grecia continental, y, más concretamente en Creta y Micenas. Esta zona era un lugar de paso, donde se recibían muchas influencias, por lo que sirvió de enlace entre el mundo egipcio y de Asia Menor.


tabla.jpg

El arte en Creta, desde sus comienzos, se caracteriza por representaciones plásticas en relación a la religión. Destacan: la diosa de la fecundidad (es la figura principal), que fue representada a veces con su hijo, y con animales: serpiente, paloma y toro; estos tres también son símbolos de la religión cretense y tienen representaciones artísticas; el labris (la doble hacha); la columna, y los cuernos de consagración.

cerámica_geométrica_de_Grecia1.jpg
Cerámica geométrica

La civilización micénica debe mucho a la cretense. Su importancia radica en que va a ser la base de la civilización griega. Destacan: la representaciones de los héroes que recorren los mares en busca de hazañas, las construcciones palaciegas situadas sobre el acrópolis, tumbas como el llamado Tesoro de Atreo...

Entre el siglo IX y el VIII a.C. aparece el <<período geométrico>>, cuya manifestación artística más importante es la cerámica. Al principio se decoraba únicamente con triángulos, franjas... pero a principios del siglo VIII ya aparecen figuras humanas y animales. En estas cerámicas se narran escenas de carácter heroico y funerales de nobles, con cuyos ritos estaban relacionadas estas piezas.


Arte arcaico


En el s. VII a.C. aparece un nuevo período en la historia del arte de Grecia: la época arcaica. A esto contribuyen: un cambio de mentalidad, dejan atrás la concepción mitológica del mundo por la razón, lo que supone la aparición de la filosofía (amor por el saber); y la tensión entre dóricos y jónicos.

El modelo del templo griego evolucionó del megarón prehelénico. Es la casa de un dios, cuyo culto se realiza en el exterior. El volumen externo y los detalles constructivo-decorativos tienen gran importancia, porque es un edificio concebido para ser visto desde fuera. Partes:
RDENES.jpg
Órdenes: dórico, jónico y corintio

- El oikos: habitación alargada que era utilizada como altar para los sacrificios y albergue colectivo. Este acogerá la estatua de culto y las ofrendas.

- El témenos: el recinto sagrado, que contiene una puertas monumentales o propíleos.

- Al principio tenía solo un pórtico con dos columnas (in antis), pero después se monumentaliza. Según la colocación de las columnas: próstilo (solo tiene columnas en la fachada principal), anfipróstilo (también en la parte trasera) y períptero (se rodea de columnas que forman un peristilo).

- El naos: donde está la imagen del dios.

- El pronaos: el vestibulo, aparece más tarde.

- El opisthodomos: espacio trasero para ofrendas, que aparecerá con el tiempo.

Los órdenes son el conjunto de normas sobre la forma, proporción y decoración del edificio. Los órdenes griegos son tres: dórico, jónico y corintio.

Durante la época arcaica, en el ámbito de la escultura, aparecen el kuros y la koré. El primero es la representación de un hombre que han alcanzado la inmortalidad, bien por una muerte violenta e inexplicable; la fama, la virtud reconocida. Se sabe que tienen carácter heroico semidivino por la aparición de unas coronas simbólicas (stéfanos). La segunda es la representación de una mujer con una actitud de presentar ofrendas. De éstas no se sabe lo que les había dado derecho a ser retratadas, únicamente se deduce que tenían carácter semiheroico porque están coronadas con diademas

Arte clásico o siglo de Pericles

En el siglo V a. C. se produce un cambio en el arte griego, llegando a ser denominado por algunos historiadores como el "Siglo de oro" de la arquitectura y la escultura griega. En este siglo no se producen cambios importantes en los motivos decorativos, sin embargo, destacan la cantidad de obras producidas, la perfección y el refinamiento.

Pericles quería convertir Atenas en la ciudad ideal, el emporio del pensamiento y del arte.

Así destacan esculturas que hoy conocemos por copias romanas en mármol (originalmente eran de bronce). Únicamente se conservan los relieves que decoran los templos. Por ejemplo, el Partenón, donde trabajó Fidias, que destaca por su composición equilibrada y armónica, la plasticidad de las figuras y el tratamiento psicológico de los rostros.

También se puede destacar el Discóbolo de Mirón, que representa a un héroe de los juegos, antes de lanzar el disco, en un instante de tensión dinámica, donde el rostro permance ajeno al esfuerzo.

Policleto, por su parte, escribió el primer tratado sobre la escultura, en el que, por ejemplo, reflexionó sobre el canon de belleza que consistía en que el cuerpo debía medir siete veces el tamaño de la cabeza.
partenon.jpg
Acrópolis de Atenas


En la arquitectura se crean construcciones grandiosas por el empeño de Pericles en que así fuera.

Lo más importante en este campo es la construcción de la Acrópolis de Atenas. Este recinto tenía una doble función: lugar de culto y defensiva.

También destaca la construcción de las ciudades según el trazado ortogonal, es decir, aquel en el que las calles se cortan en ángulo recto, dejando manzanas regulares de casas. El caso más conocido es el de Mileto.

Arte del siglo IV a.C.

Tras la desaparición de Pericles se produce una crisis de la polis griega lo que tiene una incidencia en el arte.
Cobran más importancia los grandes artistas como Apeles, pintor y retratista de Alejandro Mago; Praxíteles, que revoluciona el arte de su tiempo con obras impregnadas de una sensualidad y una extraña nostalgia que no tenían precedentes en Grecia; Scopas, que sacude al espectador con representaciones agitadas y nerviosas; Lisipo: que fue el escultor preferido de Alejandro Magno, lo que le permitió que su estilo naturalista y su técnica magistral tuvieran una gran dimensión histórica.

Arte helenístico

Cuando Alejandro Magno desaparece del poder, llegamos al período helenístico, denominado así porque ya no es posible hablar únicamente del arte de Atenas, ahora debemos prestar atención a otras ciudades (Alejandría, Pérgamo...), que pertenecen a las conquistas de Alejandro Magno en el s. IV. Estas ciudades supieron asimilar y engrandecer la cultura griega.
Lacoonte.jpg
Lacoonte y sus hijos


En esta época es muy importante comentar que los temas son cada vez más humanos, por la pérdida de la fe en los antiguos dioses. Todas las creaciones toman importancia por la manera estética de la realización. Y, además, es una época de lujo, en la que la decadencia social y política favorece al arte.

En escultura las tendencias del siglo IV se agudizan. Destaca el reino de Pérgamo por varias obras, entre las que tienen importancia: el Galo moribundo y los relieves del altar de Zeus. Otras esculturas muy famosas son la Afrodita en cuclillas, la Victoria de Samoracia, el Lacoonte y su hijos y la Venus de Milo.

En el campo de la arquitectura aparecen nuevos edificios

Los teatros tienen gran importancia como fenómeno social, servían tanto para representar escenificaciones y obras de ficción como para acoger reuniones de los consejos municipales. Sus dimensiones espaciales aumentaron considerablemente en comparación con otras construcciones urbanas. Destaca el Teatro de Epidauro por sus dimensiones y su planta armónica.

Las bibliotecas. Es muy importante la Bibloteca de Pérgamo porque tenía capacidad para almacenar hasta diez mil volúmenes. También destaca la de Éfeso.

El gimnasio, que se utilizaba para la educación de la juventud. Prestaba el mismo servicio que los actuales institutos de secundaria. Podemos tomar como referencia el gimnasio de Siracusa.

El buleuterion o palacio del Consejo Municipal, necesario por la autonomía de muchas ciudades de Asia. El de Mileto es uno de los pocos que se ha podido conocer de un modo completo.





6- Roma



Introduccion histórico-artística


El arte romano se configuró en dos estapas principales:
  • REPÚBLICA (509 a.C. - 27 a.C.)
  • IMPERIO (27 a.C. - 476)

Se trata de un arte influenciado, desde el punto de vista técnico, por el arte griego (colonias griegas del Sur de Italia-Magna Grecia), por el arte etrusco (pueblo indígena de Roma) y por el arte de las culturas itálicas primitivas (latinos, sabinos...). A pesar de ello, el arte romano es totalmente original, ya que Roma fue capaz de fundir el aspecto artístico con el sentido utilitario y funcional de sus creaciones. Se desarrolló principalmente a partir del siglo III a.C., evolucionando hasta la caída del Imperio Romano de Occidente (476).

external image Romulus_i_remus.jpg











Escultura de Rómulo y Remo, fundadores de Roma.


Arquitectura


A diferencia de la arquitectura griega, realizada a escala humana, Roma acometió grandiosas construcciones (monumentalidad), que pusieron de relieve su poderío político, su afán de eternidad y su destreza técnica. Se impone el sentido utilitario y funcional, el espíritu práctico del pueblo romano (acueductos, puentes, faros...); se funden los sistemas arquitrabados griegos con el empleo sistemático del arco y la bóveda (sistema abovedado de influencia etrusca). Existe un sistema mixto, que consiste en la combinación del sistema arquitrabado con el sistema abovedado (anfiteatro de Nimes, Coliseo...).

Destacar también la uniformidad con la que se realizaron las obras, esto se debe a que se llevaron a cabo bajo unos principios plasmados en el Tratado "De Architectura" de Vitrubio, lo que contribuye a la uniformidad arquitectónica en cualquier lugar del mundo romanizado.

Los materiales utilizados por los romanos fueron la piedra, el ladrillo y el hormigón para las construcciones de gran tamaño (Panteón de Agripa, Coliseo..). El hormigón no se utilizó hasta el siglo I. Los muros de los edificios presentan aparejo regular de sillería (los sillares suelen ser de gran tamaño). Existe el denominado aparejo de mampostería (muros construidos por piedra de pequeño tamaño). También se utilizaba el mármol, principalmente en los revestimentos.

Se utilizaron los órdenes arquitectónicos griegos jónico y corintio; el orden jónico evoluciona hacia el denominado orden toscano (columna con base y fuste liso). Se generaliza el uso del orden compuesto, combinación del jónico y corintio (capitel con volutas jónicas y hojas de acanto corintias). Estos órdenes se emplean con mayor libertad, utilizándose simultáneamente en varios pisos (superposición de órdenes), conforme a la ordenación toscano-jónico-corintio-compuesto (de abajo a arriba).

En las cubiertas se utilizaron, junto a las arquitrabadas griegas, los más variados tipos de bóvedas (de cañón o medio cañón, de arista, cuarto de esfera...) y cúpulas construidas conforme a diversos procedimientos. La cúpula más conocida es en Roma la "Cúpula del Panteón de Agripa".


Escultura


La escultura romana está vinculada a dos tradiciones o influencias principales: la griega y la etrusca. Roma conoce la escultura griega, no sólo al conquistar Grecia, sino también al ser frecuente el trabajo de artistas griegos en las ciudades romanas, además son numerosas las importaciones para los colecionistas romanos, que las admiraban y reproducían, de tal forma que muchas obras griegas las conocemos a través de copias romanas. Del mundo etrusco, la escultura romana heredará su mayor realismo, tan característico en muchos retratos romanos. Para realizar las esculturas, se utilizaban, fundamentalmente, materiales como mármol o bronce.

Las principales aportaciones romanas fueron dos: el retrato y el relieve histórico.

  • El retrato podía ser de cuerpo entero o sólo de busto, si bien este último fue evolucionando progresivamente hacia una cada vez mayor representación del cuerpo. Los retratos de cuerpo entero fueron de diversos tipos: sedentes (sobre todo los femeninos), de pie, togatus (con toga), thoracatus (con coraza) y ecuestres (fundamentalmente Emperadores, montados a caballo). Precisamente, los Emperadores fueron representados bajo distintos aspectos, ya como cónsules (vistiendo el manto propio de tal dignidad) como pretores (con el rollo de Ley en la mano), como pontifex maximus (con el manto sobre la cabeza) o divinizados (semidesnudo y con la cabeza coronada de laurel). Los bustos representaban principalmente a Emperadores, funcionarios del Estado (pretores, cuestores, censores...) y personajes patricios. Destacar su realismo y, en ocasiones, la profundidad psicológica con los que se realizan las obras.

external image C_4_maincontent_3399_largeimage.jpgexternal image 20070718klparthis_105.Ies.SCO.jpg
A la izquierda, busto de Julio César.
A la derecha, retrato de cuerpo entero de Augusto de Prima Porta.

  • El relieve histórico venía a cumplir una finalidad docente, al mostrar al pueblo de modo gráfico las actuaciones militares o civiles de los Emperadores (arte como instrumento al servicio de la política). Este carácter docente posiblemente sirvió de base o antecedente de las representaciones religiosas del arte cristiano posterior. El relieve se vincula fundamentalmente al maco de los edificios conmemorativos y tiene habitualmente sentido narrativo. Por ello aparecen decorando los arcos de triunfo y las columnas. A nivel técnico, sorprende el detallismo en su realización, su perfecto realismo y su capacidad de perspectiva, lograda al combinar altorrelieves, mediorrelieves y bajorrelieves. Además de mostrar hechos bélicos y civiles en los que se ensalzaba al Emperador, también hay relieves de tema religioso y mitológicos.

external image Relief_Kolumna_Trajana.jpg
Detalle los relieves de la Columna de Trajano, Roma.


Símbolos romanos


Dentro de este apartado, podemos incluir los cuatro símbolos más comunes en las manifestaciones artísticas del arte romano. Así, destacamos la corona triunfal, las fasces, el lábaro, y SPQR. Vamos a especificar cada uno de ellos:

  • La corona triunfal. También denominada laurea, ya que se construía con un conjunto de hojas de laurel sagradas, bendecidas por Apolo. Se utilizaba como símbolo de victoria y poder de los deportistas, poetas y guerreros. Era usual encontrarla en la arquitectura y en la vestimenta.

external image zeimusu_Laurel_wreath.jpg


  • Las fasces. Se trata del emblema que portaban los cónsules romanos, compuesto de un haz de varas alrededor de un hacha, sujeto por un cordón. Simbolizaba la autoridad y el poder del castigo, puesto que con las fasces se azotaba a aquellos que poseían una conducta negativa. De ahí su posterior derivación al término "fascismo".

240px-Fasces_lictoriae.svg.png


  • El lábaro. Insignia donde, a partir de que el emperador Constantino se convirtiese al cristianismo, se mostraban la cruz y el monograma de Cristo. El lábaro más utilizado era el crismón, formado por las letras griegas "X" y "P", superpuestas, que significan "Cristo".

external image Labarum.jpg


  • SPQR. Sigla formada por Senatvs Popvlvs Qve Romanvs, que en castellano significa "el Senado y el Pueblo Romano". Es el lema oficial de la República romana y el Imperio romano. Frecuentemente se incluía en los grabados de las principales arquitecturas civiles, en las monedas o en la firma de los documentos públicos.

external image spqr.jpg




7- Bibliografía


Gran Enciclopedia Larousse, Ed. Planeta
Historia del arte, E. H. Gombrich
Historia del arte, Ed. Salvat
Religiones y culturas, Ed. Salvat

Historia del arte, Ed. Anaya
Signos, símbolos, marcas, señales. Autor: Adrián Frutiger. Ed. Gustavo Gili.
La sintaxis de la imagen. Autor: D.A. Dondis.


8- Enlaces de interés


www.wikipedia.org.
http://www.egipto.com/arte/
http://www.proyectosalonhogar.com/Civilizaciones/Civ_mesop2.htm
//http://www.fotonostra.com/grafico///
http://www.arteespana.com/
http://lengua.laguia2000.com/
https://diloengrafico.wikispaces.com/Pinturas+rupestres
http://campusdigital.uag.mx/academia/material/Egipto/egipto_tierra_contrastes/egipto_tierra_contrastes.html
http://wapedia.mobi/es/Dem%C3%B3tica
http://wapedia.mobi/es/Jerogl%C3%ADfico