El Constructivismo es un movimiento de vanguardia que surgió en Rusia hacia 1913. Nació varios años después que la Revolución de 1905, considerada la propulsora de la Revolución Rusa de 1917 con la que se elimina el gobierno zarista y se crea la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS). Los artistas rusos ayudaron através del arte a esta revolución, ya que estaban en contra del antiguo orden social y del arte conservador. Esta vanguardia implicaba que todas las obras que se realizaran fueran una contrucción, la obra debía articularse como un edificio y por lo tanto se debía realizar con métodos similares a la realización de un edificio. De ahí el carácter rígido y matemático que poseen muchas obras.
Fue en este contexto político, económico y social en el que el constructivismo se desarrolló, traspasó fronteras e influyó de forma notable en el diseño gráfico y en la tipografía de ese siglo.

1. El constructivismo (definición, historia).


El movimiento constructivista nació por gran influencia del cubismo en artistas como Vladimir Tatlin, que regresó a Rusia después de conocer la obra de Pablo Picasso o Juan Gris. Aunque este movimiento fue breve, tuvo una importante influencia en el diseño gráfico.
El constructivismo evolucionó paralelo al suprematismo, aunque tienen notables diferencias como la búsqueda del bien común del arte.
La URSS adoptó este movimiento para aplicarlo al diseño gráfico y realizar carteles propagandísticos de la revolución. La tendencia fue seguida con interés desde el extranjero.
En 1920 los artistas Gabo y Pevsner publicaron el Manifiesto Realista en el que incluyeron por primera vez el término “constructivismo”. Fue en ese momento en el que se empezaron a diferenciar dos tendencias:

  1. - Por un lado la encabezada por Tatlin y Rodchenko, de carácter utilitario que servía a la revolución. En 1921 un grupo de artistas se organizaron para que sus compañeros dejaran de hacer cosas “inútiles” y sirvieran al comunismo con el arte de una forma totalmente antiburguesa. Una de sus obras más conocidas es el Monumento a la III Internacional de Tatlin, aunque nunca se llegó a realizar, como susecidió con gran frecuencia en la URSS.
  2. - La otra tendencia defiende la estética y la libertad. Un representante de esta tendencia fue Kandinsky, que en Europa defendió el arte abstracto, sin formas reconocibles, y usó la música cromática para crear sus obras.

Rechazando esta última tendencia, Aleksei Gan diseñó el folleto Konstruktivizm (Constructivismo), donde criticaba a los artistas que como Kandinsky apostaban por el arte abstracto. También escribió los principios del constructivismo:

  • - Arquitectura: para Gan representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual.
  • - Textura: la naturaleza de los materiales y cómo estos son empleados en las construcciones.
  • - Construcción: es el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual.

En el año 1922 se realizó en Berlín (Galería Van Diemen) la primera gran exposición con obras de estilo constructivista, a la misma vez que algunas revistas de Europa se hacían eco del constructivismo ruso, hablando sobre todo de Lissitzky (1890 - 1941). Éste fue el máximo representante de los principios que proponía Aleksei Gan e influyó mucho en el desarrollo del diseño gráfico. Gracias a Marc Chagall, Lissitzky, el polifacético fotógrafo, pintor, arquitecto, tipógrafo y diseñador gráfico, que también contribuyó al suprematismo se convirtió en profesor de la Escuela de Arte en Vitebsk.
Esta generación de jóvenes artistas soviéticos trataron de unir los principios del comunismo con los del constructivismo, para así crear un conjunto de espiritualidad de la humanidad y hacer que el espectador pudiera ser un sujeto activo ante la obra de arte.
A pesar de la innegable importancia del constructivismo para la gráfica y el diseño industrial soviéticos, la inestabilidad que se produjo en el gobierno revolucionario hizo que los artistas que no abandonaron el país fueron conducidos a la pobreza, los que tuvieron más éxito fueron los que se trasladaron a ciudades de Europa o de Estados Unidos, y muy pocos proyectos constructivistas se llevaron a cabo, como sucedió con el Monumento a la III Internacional de Tatlin. De esta manera el constructivismo se limitó a las exposiciones, decorados teatrales, muebles y grafismos, influenciando la arquitectura moderna y el minimalismo.

2. Características del constructivismo aplicado al diseño


El constructivismo aplicado al diseño logró gran aceptación dentro y fuera de Rusia. Son muchas las característica

s relacionadas con este movimiento. Alguna de ellas son comunes con otras vanguardias como el Cubismo, el Futurismo, el Suprematismo y el Dadaísmo. El contructivismo reflejado en el diseño posee diversas características:

  • - Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el producto son de gran importancia.
  • - Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.
  • - Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.
  • - Se dedicaron al diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones, etc.
  • - La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.
  • - La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas, lineales y planas.
  • - Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.
  • - Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.
  • - Los objetos son geométricos y funcionales.
  • - Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.
  • - Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos modernos que simbolizan el progreso.
  • - Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches como en objetos).
  • - Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas sobre un fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica).



3. Corrientes precedentes al constructivismo (rayonismo, simultaneísmo).

Besque verde y amarillo de Gontcharova
Besque verde y amarillo de Gontcharova

Antes de que surgiera el constructivismo otros movimientos artísticos futuristas surgían en el corazón de Rusia.

Corrientes como el Rayonismo que nace como adaptación propia de los artistas hacia el futurismo, se dio a conocer por medio de un manifiesto redactado por Larinov y que es a suvez parte de una miscelánea editada con motivo de la exposición Blanco, celebrada en Moscú en 1913. Basado en unas composiciones construidas a partir de rayos de luz que se cruzan y se disuelven en motivos que cambian constantemente, es el rayonismo un importante foco de teoría artística al fundir en sus lienzos una estructura fundamentalmente cubista, con un sentido del movimiento propiamente futurista, siendo el conjunto de la obra totalmente abstracto al romper el tema en haces de líneas sesgadas tal y como se observa en Bosque verde y amarillo de Gontcharova, llegando el tema a desaparecer en otras ocasiones, como en Vidrio de Larionov.
El movimiento tuvo una vida corta, por lo que no llegó a crear escuela.




Otro de estos precedentes fu
Jeanne con gato negro
Jeanne con gato negro
e el movimiento artístico llamado Simultaneísmo que se preocupó básicamente en el empleo en pintura de las teorías científicas de los colores. El simultaneísmo recogía la idea de que la música y la luz se comportaban análogamente. Robert Delaunay fue quien acuñó el término para definir la pintura en la cual se usa el color como medio de crear espacio y formas en un cuadro.
Toma el nombre de Michel-Eugène Chevreul, cuyo libro De la loi du contraste simultané des couleurs et de l´assortiment des objets colorés (1939) influyó notablemente en las teorías del color de Seurat y de los neoimpresionistas. En 1913 los artistas pertenecientes al futurismo proclaman, en un artículo aparecido en Der Sturm y en Lacerba, ser ellos los primeros en introducir en sus obras la idea de simultaneidad. Su pintura se propone, en efecto, expresar una sensación dinámica a través de la descomposición del movimiento. Guillaume Apollinaire será el encargado de la adaptación y generalización del término utilizándolo para designar un principio artístico, según el cual elementos sin relación se yuxtaponen de un modo arbitrario, de manera que las partes de una composición actúen entre ellas por medio del conflicto y el contraste más que por la lógica. El concepto simultaneidad es una de las ideas más discutidas en literatura, música y artes plásticas durante los años que preceden a la I Guerra Mundial.

4. Tendencias en el campo de las artes y autores. Años 20.


La Revolución Soviética, con la finalidad de suplantar el sistema capitalista por esquemas más democráticos y una justa distribución de bienes, buscó nuevas formas de expresión a su vez relacionadas con esto.
Con esta idea Vladimir Tatlin, Kasimir Malevich, Alexander Rodchenko, Wassily Kandinsky, Naum Gabo y El Lissitzky, artistas de la época, promovieron una estética y aproximación al diseño asociada a la producción industrial y revolucionaria. Las composiciones d

e estos autores están construidas matemáticamente y el componente espacio/tiempo es fundamental.

"Dejemos el pasado a nuestras espaldas como una carroña. Dejemos el futuro a los profetas. Nosotros nos quedaremos con el hoy".

Es a partir de 1920, con el "Manifiesto realista o constructivista" (escrito por los hermanos Gabo y Pevsner), cuando se crean las dos principales tendencias del constructivismo:

4.1. Tendencia representada por Malevich, El lissitzky, Kandinsky, Gabo y Pevsner.


Tendencia simplemente estética (frente a la otro de carácter utilitario) defiende la libertad de creación. Estos artistas se inspiraban en la producción técnica desde un punto de vista estético. Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.
Llega a Europa en 1921 y 1922, y sus representantes defienden lo subjetivo en la obra de arte (se volcarán al Suprematismo).
"Obra de Malevich"
"Obra de Malevich"


Kazimir Malevich (1878-1935), pintor abstracto y teórico ruso y máximo exponente del cubismo y el suprematismo en Rusia, en este último movimiento forma un grupo (al que más tarde se adhiere El Lissitzky) llamado UNOVIS (Afirmantes del Nuevo Arte). Trabaja con estructuras planas y formas bidimensionales que casi dan la ilusión de tridimensionalidad, pero no lo son.
Malevich fundó un estilo de pintura de formas básicas y de color puro al que llamó Suprematismo, y del que fue máximo esponente. Después de trabajar al modo del futurismo y del cubismo, Malevich creó una abstracción geométrica elemental nueva; no objetiva y pura. El estilo rechazaba tanto la función utilitaria como la representación gráfica, pues Malevich buscaba "la expresión suprema del sentimiento, sin buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida".El constructivismo recibió gran influencia del suprematismo, como por ejemplo en la cerámica constructivista, que solía estar decorada con motivos suprematistas (formas geométricas sobre un fondo blanco y plano), lo que producía una fuerte impresión de dinamismo y modernidad.
Sus composiciones son construidas matemáticamente y sus motivos no son ni objetos reales ni fantasías libres del artista, y esto no sólo para Malevich, sino que es aplicable a todos los artistas que formaron parte del movimiento.

El lissitzky (1890-1941) fue un artista ruso, fotógrafo, maestro, tipógrafo y, sobre todo, diseñador y arquitecto, posiblemente la personificación del ideal constructivista, y el autor que podría considerarse iniciador del Diseño gráfico. Tuvo gran influencia en el contructivismo soviético gracias a sus estructuras tridimensionales.Las propiedades matemáticas y estructurales de la arquitectura se convirtieron en las bases de su arte. En 1919 se unió al cuerpo de profesores de l
"Golpea a los blancos con la cuña roja" de Ellissitzky- 1919
"Golpea a los blancos con la cuña roja" de Ellissitzky- 1919
a Escuela de Arte en Vitebsk, Malevich (amigo y mentor) daba clases ahí y este fue la influencia más importante para Lissitzky, ambos contribuyeron al desarrollo del suprematismo (creado por el primero, estilo de pintura de formas básicas y color puro). Lissitzky desarrolló un estilo de pintura al cual denominó PROUNS: proyectos para el establecimiento de un arte nuevo, que introdujo ilusiones tridimensionales en contraste con las estructuras y abstracciones planas de Malevich.
Sin embargo sufre un cambio a raiz de la revolución rusa a partir de 1917, y <<De reproductor, el artista se ha convertido en constructor de un nuevo universo de objetos>>. En 1920, El lissitzsky se acerca a Vladímir Tatlin y al constructivismo, movimiento al que hizo una contribución de primer orden. Aportando en las dos tendencias.
Como diseñador gráfico, Lissitzky no decoraba el libro, lo construía al programar visualmente el objeto completo. Propugnó el potencial del montaje y del fotomontaje para mensajes de comunicación compleja. La composición tipográfica y las imágenes fotográficas eran empleadas como material de construcción para armar páginas, portadas y carteles.
A la izquierda composición de Lisstizky donde se aprecian las características formas geométricas sencillas del constructivismo y el uso intensivo de los 3 colores: rojo, blanco y negro.
"Composición nº 218" de Kandinsky - 1919
"Composición nº 218" de Kandinsky - 1919

Vassily Kandinsky (1866-1944) fue realmente un místico que aborrecía los valores del progreso y de la ciencia, y anhelaba la regeneración del mundo mediante un nuevo arte de pura interioridad. El estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 lo devuelve a Rusia, donde la Revolución de 1917 promueve una de las vanguardias artísticas más activas y singulares del siglo XX. Los postulados espiritualistas y románticos de Kandinsky encajaban mal con el radicalismo de constructivistas y suprematistas, sin embargo Kandinsky empieza a pensar en los objetos reales y en su función, al igual que lo hicieron Rodchenko y los constructivistas; nos devuelven a la realidad de la vida.
El color, el punto y la línea serían vistos como elementos puros y eternos que transmiten la esencia del movimiento, la musicalidad y la armonía que parte de un principio de necesidad interna.
Su labor en diferentes organismos dio lugar a la creación de museos por toda Rusia. Propuso un proyecto pedagógico para el Institututo para la Cultura Artística (INCHUK) que fue rechazado, y el cual se basaba en el estudio del color junto a conocimientos médicos, fisiológicos y químicos, incluso conocimientos en el campo de la magia.
Kandinsky fue acusado por los constructivistas de subjetivista y de psicologizar el proceso artístico, no apreciaron de él el hecho de que estuviese preparado para pasar a una tercera dimensión que olvidaba la pintura y se centraba en las construcciones. Tras estos conflictos se produce la salida de Kandinsky de Rusia a Alemania. En este periodo posterior pasó a formar parte del cuerpo de profesores de la Bauhaus. (1922).

"Columna desarrollada" -  Naum Gabo
"Columna desarrollada" - Naum Gabo
Naum Gabo (1980-1977) fue un escultor prominente del constructivismo, así como un pionero del Arte cinético. Gabo nació en Rusia en una familia judía de seis hermanos (entre los que se encontraba Pevsner, motivo por el cual adoptó el pseudónimo de Gabo), además de su ruso natal dominaba el idioma alemán, francés e inglés, lo cual le ayudó a viajar frecuentemente a lo largo de su carrera.
Gabo estudió en Munich medicina y ciencias naturales. Además asistió a cursos de historia del arte a cargo de Heinrich Wölfflin. En 1912 descubrió el arte abstracto en una escuela de ingeniería de Munich, y conoció a Kandinsky. Naum Gabo pensaba que el entretenimiento era importante para el desarrollo de su trabajo escultural y usaba con frecuenica elementos mecánicos.
Tras el estallido de la guerra se trasladó con su hermano Pevsner a Dinamarca, y en 1917 volvió a Rusia, coincidiendo con Tatlin, Kandinsky y Rodchenko. En este periodo la construcción se puso más geométrica y Gabo empezó a experimentar con la escultura cinética intentando aplicar sus planes "Era la altura de guerra civil, hambre y desorden en Rusia. Para encontrar cualquier parte de maquinaria.. estaba al lado del imposible". En 1920 escribió junto a su hermano Pevsner el "Manifiesto Realista" proclamando los principios de puro constructivismo (primer momento en que el término fue usado) criticando el Cubismo y el futurismo, y el no volverse las artes totalmente abstractas, declaró que la experiencia espiritual era la raiz de producción artística.

"Cruz Anclada" -Anton Pevsner - 1933
"Cruz Anclada" -Anton Pevsner - 1933
"Una serie de instantáneas momentáneas de un movimiento detenido no recrea el movimiento en sí [...] Los ritmos cinéticos son las formas básicas de nuestra percepción del tiempo real [...] Nosotros nos quedaremos con el Hoy" (Manifiesto de 1920)

Antoine Pevsner (1888-1962), hermano menor de Naum Gabo, fue un escultor nacido en Rusia que recibió una primera formación científica que le aportaría el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla. Estuvo en París en 1911, y una segunda vez en 1913; cuando conoció a Modigliani y Alexander Archipenko, los cuáles estimularon su interés hacia el Cubismo, y es en este año que acude a una exposición sobre construcciones arquitectónicas de Umberto Boccioni que le interesa bastante.
Su acercamiento al Constructivismo se produce durante los años de la guerra, en los cuales vive en Oslo junto a su hermano Gabo, y que aprovecharon para unir sus conocimientos e intereses que derivarían en la corriente citada anteriormente. Pevsner aportó su conocimiento sobre técnicas artísticas, Naum su aproximación científica a los materiales y a la forma; surgió una fusión de una visión artística y un método científico.
En 1917, en Rusia, enseñó junto a Malevich y Kandinsky en la Academia de Bellas Artes de Moscú.
[1920- Manifiesto realista] En 1923, en Berlín, conoce a Duchamp, abandonando la pintura y volcándose en la escultura constructivista.
Y es en París donde, junto a su hermano Gabo, forma el grupo constructivista Abstracción-Creación, un grupo de artistas que representan diversas corrientes del arte abstracto. Tanto en el caso de Pevsner como en el de su hermano ha de tenerse presente que su máxima aportación a la escultura del siglo XX se basa en la concepción aérea de sus obras.

4.2. Tendencia representada por Rodchenko y Tatlin.

Vladimir Tatlin, geometría y linea recta
Vladimir Tatlin, geometría y linea recta

Vladimir Tatlin(1885-1953) y Alexander Rodchenko (1891-1956), son dos de los más importantes representantes del constructivismo ruso de los años 20. Ambos destacan por haber desenvuelto su trabajo en diferentes campos relacionados con el arte: diseño, pintura, fotografía…. Dentro de las diversas tendencias artísticas nacidas en esta época, representan dos de las piezas clave de la tendencia defensora del artista insertado dentro de la obra arte, que forma parte de ella como un elemento más.
Concretamente en el ámbito de la pintura, Rodchenko y Talin entre otros, fueron los encargados de introducir una de las grandes novedades en la visión pictórica de la época, ofreciendo un enorme protagonismo en sus obras a la linea recta. Esta nueva tendencia queda patente en numerosas obras de arte llevadas a cabo en la época, en las cuales podemos observar lineas rectas de distintos colores, formas y orientación.


Podríamos decir que entre estos dos artistas fue Rodchenko el que más se involucro en el diseño gráfico
Vladimir Tatlin destaca especialmente p
Vladimir Tatlin, Contrarrelieve de esquina, 1914
Vladimir Tatlin, Contrarrelieve de esquina, 1914
or su trayectoria como arquitecto, escultor y pintor. En un principio durante su estancia en París, donde se vio fuertemente influenciado por la obra de Picasso, se caracterizó sobre todo por diseños cubistas y una pintura espacial, en la cual ordenaba los elementos estéticos bajo unos criterios propiamente matemáticos.
Con su regreso a Rusia se adentró poco a poco en los diseños abstractos, utilizando materiales industriales (metal, vidrio…), pero en todas sus obras se apreciaba una técnica propia de un ingeniero.

La obra más importante del artista fue el proyecto del Monumento a la Tercera Internacional, en la cual se culmina la obsesión del artista por la escultura de espacio y movimiento, contando con una tecnología propia de la ingeniería. Esta obra nunca se pudo llegar a construir debido a la oposición del gobierno ante el arte abstracto.


Aleksander Rodchenko, fue de los artistas más polifacéticos del constructivismo ruso, se intereso tanto por la pintura, el diseño, la fotografía e incluso el arte cinematográfico.Sus primeras obras abstractas surgieron bajo la influencia del suprematismo de Malevich en el año 1915. Fue al año siguiente con su participación en una exhibición organizada por Vladimir Tatlin, donde comenzaría a influenciarse por este, ambos volverían a coincidir en la decoración del “Café Pintoresco” un año después. A partir de este momento comienza a realizar obras en las que predominan la superficie plana, la línea, la mancha….Siempre con una fuerte influencia de la Revolución Bolchevique. De estas influencias destaca su construccion oval de 1920.


Su dedicación al diseño surgió con el comienzo de la década de los 20, cuando comenzó a trabajar junto a su compa
Aleksander Rodchenko
Aleksander Rodchenko
ñero, el poeta Vladimir Maiakovski. Fue en esta época cuando Rodchenko ilustró una de sus obras (Pro éto) a través de sus fotomontajes, mediante los cuales consiguió producir una sínteis entre los versos de Maiakovski y el espíritu constructivista. A través de estos fotomontajes comenzó a adentrarse en el mundo de la fotografía, concretamente en el año 1925, ya que hasta ese momento había utilizado instantáneas de otros artista. Cabe destacar que tras descubrir su gran habilidad con la cámara se convirtió en un fotógrafo de referencia, creando grades obras en este ámbito. Uno de sus rasgos más característicos como fotógrafo es la busqueda de nuevas perspectivas, para ofrecer al espectador un nuevo punto de vista de objetos, lugares, situaciones...ya conocidos.. Poco a poco profundizo más en el diseño, con la producción de posters y carteles de apoyo a la Revolución bolchevique, y el movimiento comunista, además son de especial interés sus diseños para las portadas de los libros de Vladimir Maiakovski y sus aportaciones a la revista LEF donde se encuentran algunas de sus obras más conocidas.


"You could have it so better", Franz Ferdinand
"You could have it so better", Franz Ferdinand

Algunas de sus obras más importantes siguen teniendo repercusión en nuestros días, y son admiradas por un gran número de personas que no sólo las admiran en el ámbito técnico y estético si no que apoyan su filosofía de vida y su manera de ver el arte, como un elemento para construir la sociedad. Este es el caso del famoso cantante Franz Ferdinand, el cual la carátula de su último CD (You could have it so better) se ha inspirado claramente en una obra de este autor constructivista.






5. Vanguardias.


El término vanguardia viene de la palabra francesa Avant-garde, que en francés significa protector delantero. Se suele usar este término para referirse a los artistas o a sus obras, principalmente del mundo del arte, la cultura y la política, que son experimentales o poco habituales. Entre sus defensores se entiende que el Avant-garde es una forma de llevar el arte, la cultura y la realidad más allá de lo que establecen sus normas tradicionales.

El término francés Avant-garde referido al arte tiene su origen el 17 de mayo de 1863 en el Salon des Refusés en Paris, exposición organizada por los pintores cuyas obras fueron rechazadas por el jurado del Salón de París oficial.

Es a principios del siglo XX (1910-1920) cuando las Vanguardias artísticas comienzan a revolucionar el mundo del arte y empiezan a aparecer las condiciones conceptuales que el diseño gráfico tomará como suyas para crear sus propias características y formarse como disciplina, ya que en esta época aún estaba buscando sus propios ideales. Con el surgimiento de la fotografía (que dibuja una realidad abstracta en blanco y negro que en realidad es de color), la aparición de la psicología cromática, la revolución tipográfica del collage y del fotomontaje; el diseño gráfico encontrará nuevas formas de expresión, un nuevo lenguaje con el que expresarse y unos pilares donde apoyar su teoría.

MOVIMIENTO VANGUARDISTICO
AUTORES REPRESENTATIVOS
· Futurismo
- Marinetti
- Soffici
- Depero

· Cubismo
- Braque
- Picasso
- Gris

· Blaue Reiter
- Vassily Kandinsky
- Franz Marc

· Suprematismo
- Kasimir Malevitch
- Naum Gabo

· Constructivismo
- Vladimir Tatlin
- El lissitzky
- Kandinsky
- Malevich
- Gabo

- Pevsner
- Rodchenko

· Dadaísmo
- Tristan Tzara
- Hugo Hall
- Hans Arp
- Man Ray
- Kurt Schwitters
- Marcel Janco

· De Stijl
- Theo Van Doesburg
- Vilmos Huszar
- Piet Mondrian

· Surrealismo
- André Breton
- René Magritte
- Salvador Dalí

· Puente entre el Futurismo y el Dadaísmo
- Marcel Duchamp


Con estos movimientos se consigue una ruptura formal y conceptual con los anteriores movimientos de expresión artística. Esta ruptura lleva a la gestación de una nueva construcción del diseño gráfico, que se irá mostrando más técnico y más interdisciplinar, y poco a poco dentro del mismo se irán integrando las diferentes especialidades, que hasta ese momento se habían llevado a cabo por separado. Algunas de estas especialidades son el cartelismo, el diseño tipográfico, la ilustración comercial, el diseño publicitario, la imagen de identidad, etc. Así, podemos decir, que con estos movimientos vanguardistas se consigue la unificación de todas estas especialidades dando lugar a una única categoría multidisciplinar.

Todas estas corrientes tienen unas características individuales, pero se van entrelazando en el tiempo unas con otras, de manera que algunos de estos artistas realizan obras en varias de estas corrientes. Es destacable que ciertos artistas como Picasso, Kahlo y Modrian no obtuvieron un gran reconocimiento como el que tienen en la actualidad, ya que al comienzo de su obra estaban relacionados con una corriente artística que no fue la que definitivamente les dio la fama.

Repasando los antecedentes de las Vanguardias, observamos que el Arts and Crafts inglés, el Werkbund alemán y el movimiento modernista que se llevó a cabo entre ambos, carecen totalmente de las propuestas formales y radicales que caracterizan las vanguardias del siglo XX. A pesar de esta ausencia se pueden observar en estos movimientos dos de las actitudes objetivamente vanguardistas, las cuales fueron utilizadas por los diseñadores más avanzados y que utilizarían los principios plásticos característicos de las vanguardias del siglo XX.

Los esfuerzos por integrar el diseño gráfico en un marco disciplinar comenzaron con el Arts and Crafts y del Werkbund. Uno de los principios básicos de estos movimientos era tratar de situar la práctica profesional del diseño en el centro mismo de la relación entre el arte y la industria. Así se pueden observar a varios autores que renunciaron a la práctica meramente artística para convertirse propiamente en diseñadores gráficos, dedicándose sobre todo al cartelismo, al anuncio o al diseño tipográfico.

En la primera década del siglo XX se puede comprobar en algún diseño gráfico un ejemplo de la nueva filosofía de la abstracción del cosmos icónico y significativo, pero la formulación teórica completa y su aceptación general tuvieron que esperar hasta la los años 20. Las nuevas formas de ruptura que conllevaba cada nueva vanguardia que aparecía se tomaba como un ataque certero por parte de la burguesía de la época. Desconfiaban de los nuevos movimientos, que utilizaban el arte plástico como un instrumento de ataque contra la sociedad. Así, las vanguardias fueron aceptadas por la burguesía tiempo después de su aparición, cuando ya habían perdido la mayor parte de su fuerza transgresora, mientras que otro nuevo movimiento artístico iba apareciendo y era recibido con la misma desconfianza. A esta difícil aceptación social se le añadió una fuerte crisis económica y social, provocada por la Primera Guerra Mundial, que retardó mucho la aceptación y normalización de los nuevos lenguajes nacidos con las Vanguardias.

Los repertorios temáticos y técnicos se fueron depurando sobre todo mediante la especialidad cartelística, pero sin olvidar nunca su forma artística. Y para transmitir con mayor eficiencia el núcleo de la información se fueron sistematizando los recursos icónicos y tipográficos que tenían mayor potencia. Mediante la normalización de estas técnicas y el éxito progresivo que mostraba la divulgación publicitaria de ofertas comerciales, se fue desarrollando una figura profesional que abordaba una labor que iba más allá del arte propiamente dicho.

Como conclusión, se puede decir que el mayor logro conseguido por las Vanguardias en las primeras décadas del siglo XX es que la distancia entre arte y diseño se ve reducida. Esta progresiva proximidad que se va estableciendo en la relación entre arte moderno y producción industrial queda muy bien reflejada en las palabras del filósofo alemán Theodor Adorno: "Cualquier obra, al ser una unidad destinada a muchos, es ya en su misma idea, una reproducción de sí misma”.

6. Influencia en otras corrientes de la historia.


Durante los primeros años posteriores a la Revolución del 1917, el gobierno soviético toleraba que el arte avanzara mientras otros problemas más urgentes demandaron su atención. Pero para 1926 el gobierno acusó a los artistas de “cosmopolitanismo capitalista”. Un ejemplo de las escuelas que se disolvieron, de gran importancia para el constructivismo fue VCHUTEMAS, "Talleres de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica" donde se impartían enseñanzas de constructivismo, racionalismo y supremacismo. Esta escuela se disolvió totalmente en 1930. Aunque este movimiento persistió como una influencia en los gráficos soviéticos y el diseño industrial, algunos artistas como Malevich, que se quedaron en el país, se undieron en la pobreza. Algunos artistas desaparecieron en el Gulag (campos de concentración). Las innovaciones de este movimiento encontraron su desarrollo posterior en Occidente.

A pesar de la estricta desaprobación oficial, el diseño gráfico innovador de la tradición constructivista continuó apareciendo de vez en cuando. Rasgos del dadaísmo se combinaban a menudo en estos diseños constructivistas y una originalidad ingeniosa dio forma al empleo de la tipografía y de los elementos del montaje.

Hay que destacar que Lissitzky, fue uno de los más importantes artistas empeñados en hacer internacional también al Constructivismo. En 1923 expuso en Berlín su Proune Raum o espacio de demostración, donde expuso los principios constructivistas, que influiría en movimientos artisticos como el dadaísmo o el cubismo. No podemos olvidar que el constructivismo se desarrolló prácticamente a la vez que el dadaísmo, por lo que no sólo se influenciaron mutuamente, sino que hay autores que desarrollaron ambos estilos.

Pero no sólo en Europa influyó el constructivismo. Fue muy significativo en Latinoamerica, donde a partir de la segunda mitad del siglo XX fueron muy acogidas las ideas de este movimiento artístico, creando una producción de arte singular y nueva en esta zona. En este contexto se trabaja la pérdida de esperanza en lo constructivo, dirigiendo su mirada hacia las concepciones utópicas que le habían dado origen, volviendo a los planteamientos artísticos y culturales por lograr una modernidad diferente.

Uno de los artistas más influidos por el constructivismo es Joaquín Torres-García, quien viajó a Europa para empaparse la la cultura vanguardista donde colaboró con Mondrian, Vantongerloo y Theo Van Doesburg, tomando así contacto con el Movimiento Constructivista Universal. Regresó en 1935 a Uruguay donde formula el “universalismo constructivo", donde surgen las nociones fundamentales para el desarrollo y la resignificación del constructivismo en Latinoamérica. La aparición de estos nuevos conceptos hace que en Argentina se desarrolle sustancialmente una gran actividad artística, donde en 1945 se lleva a cabo la primera exposición de Arte Concreto Invención. Allí se expone la muestra de la obra de Max Bill, con la creación de un ambiente estético propicio para la evolución del Concretismo y el Ne-concretismo. Hasta la decada de los 50 no se dejó notar en Brasil la presencia de este movimiento. El neoconcretismo se define como un redescubrimiento del mundo, considerado como la prehistoria del arte brasileño, no porque fuese el primer movimiento, sino por la búsqueda de los orígenes y los fundamentos.

En los años 60 en el constructvismo se dejó notar el cinetismo, la abstracción, el arte óptico y el conceptualismo latinoamericano, con la culminacion de propuestas estéticas contrarias a la figuración y la representación. El desarrollo de la ciencia ofrece las posibilidades técnicas de inapreciable valos en relación con ese objetivismo y racionalismo que parecía responder a las exigencias marxistas, del "sujeto como productor de significación y las aspiaciones del neo-constructivismo.

En ese momento surge en Venezuela (y se mantiene hasta la actualidad) el movimiento de arte óptico y cinético de Jesús Rafael Soto Cruz Diez, herederos de "colorritmos" de Alejandro Otero y los planteamientos constructivistas ortodoxos de Gerd Leufert. Pese a los cuarenta años de oposición al arte de vanguardia de Colombia, en 1949, Marco Ospina muestra as primeras pinturas abstractas realizadas por un artista nacional.


Ya volviendo a Europa, no podemos olvidar menciona a Guillaume Apollinaire(1880-1918) gran amigo de Pablo Picasso, y muy ligado al cubismo y al constructivismo. Este poeta escribió un libro muy importante en el diseño gráfico universal, llamado "Caligramas" caracterizado por que las letras están dispuestas para formar una figura, un diseño o una pictografía visual, fusionando la poesía y la pintura. De esta técnica ya existían registros de la civilización hindú y en la Grecia Helenistica, pero fue Guillaume Apollinaire quien retomó esta técnica.

Aquí podemos ver unos ejemplos de caligramas:



caligrama.jpg

7. Conclusiones.

Enlaces de interés


DelyArte. Suprematismo
Wikipedia. Constructivismo y arte
Toda cultura. Constructivismo
Historia del diseño. Constructivismo
Imageandart. Influencia de Vanguardias
Wikipedia. Primeras vanguardias
Primeras Vanguardias
Aprender sociales. Constructivismo ruso
El pais. Kandinsky fue un jinete rojo

Bibliografía


Portal de arte. Constructivismo
Historia del diseño. Constructivismo
Imageandart. Influencia de Vanguardias

Blog expresArte

Blog muertos por el Arte
Constructivismo. Historia.