En el siglo XIX tiene lugar la aparición del diseño gráfico comercial y el surgimiento de la publicidad moderna. Es un periodo de avances tecnológicos, tan significativos como la tinta de imprenta desarrollada por Lorilleux, la estereotipia de Nicolás Serrières y la prensa mecánica de Friedrich Koenig.

El desarrollo de las nueva tecnología de composición y prensa produjo cambios importantes en la realización del trabajo dentro de las artes plásticas debido a la automatización y a la especialización. La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y a lo automático, y de un mercado limitado a uno masivo.

Surge una nueva generación de diseñadores que rechazan los estilos clásicos y potencian la aparición de otros nuevos. La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos a ilustradores y diseñadores. Estas nuevas invenciones ayudaron a la difusión de la comunicación visual y facilitaron el trabajo a los diseñadores con avances como: la máquina de escribir, el clisé pluma, la trama, el proceso de impresión a color, la fotografía en color, la película de animación... entre otros.

1. Introducción


El diseño gráfico del siglo XX surge como reacción a la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX. Las primeras dos décadas del siglo XX fueron una época de increíble efervescencia y cambios que alteraron de manera radical todos los aspectos de la condición humana.

Una nueva generación de diseñadores surge en el XX rechazando el gusto por los estilos clásicos (neoclasicismo, neogótico...) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau o Modernismo, el cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño y el arte (arquitectura, pintura, fotografía, cine...). El Art Nouveau se opuso al diseño gráfico puramente tipográfico, no sólo como un medio de comunicación de ideas, sino también para su expresión. Entre 1920 - 1930 surgió un estilo diferente como alternativa al Art Noveau que se denominó Art Decó. Se caracterizaba por la geometría aerodinámica, en zigzag moderna y decorativa, el aprecio por la máquina, y al mismo tiempo la búsqueda por satisfacer la pasión por la decoración.

Durante la década 1910 - 1920 las vanguardias artísticas que se suceden crean las condiciones conceptuales objetivas para el nuevo repertorio de formas que el diseño gráfico recogerá para elaborar con él su primer corpus teórico. La adopción de las formas abstractas, el uso psicológico del color, la revolución de la tipografía, del collage y del fotomontaje, son algunos de los precursores teóricos más sólidos. El Futurismo de Marinetti, Soffici, Depero...; el Cubismo de Braque, Picasso y Gris; el Suprematismo de Kasimir Malevitch y Naum Gabo; el Constructuvismo de Vladimir Tatlin; el Dadaísmo de Tristan Tzara, Hugo Ball, Hans Arp...; el De Stijl de Theo Van Doesburg, Vilmos Huszar y Piet Mondrian; el Surrealismo de André Breton, René Magritte y Salvador Dalí. En ese núcleo se concentrarán los antecedentes de una ruptura formal y conceptual que incide de pleno en la construcción de un nuevo diseño gráfico, más técnico o interdisciplinar, en el cual irán integrándose las distintas especialidades del sector (cartelismo, diseño tipográfico, ilustración comercial, diseño publicitario, imagen de identidad...) clasificadas desde entonces en una misma categoría multidisciplinar.

2. Contexto histórico y sociocultural


Las primeras vanguardias surgen en un ambiente de crecimiento económico que tiene lugar tras la Primera Guerra Mundial (1914 - 1918). Durante esta época se desarrolla una nueva ideología que tiene su inicio a finales del siglo XIX, pero que se asienta definitivamente a principios del XX, fruto de la consolidación de la clase proletaria en un mundo cada vez más industrializado.
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El vanguardismo se desarrolló en la I Guerra Mundial

Años después de la bonanza económica de la que disfrutaba el mundo burgués, sobre todo en EEUU, vino una recesión económica que alcanzó su punto más bajo en el año 1929 (Crack del 29). Esto provocó la ascensión al poder de los grupos nacional-socialistas en, por ejemplo, Italia (Benito Mussolini) o Alemania (Adolf Hitler).

La burguesía no sufrió tan sólo el batacazo económico, sino que desde el sector social se empezaban a cuestionar los valores y la moral burguesas, surgiendo los primeros movimientos vanguardistas que buscan romper con todos los esquemas establecidos hasta el momento. Esto hace que las obras características de esta época se caractericen por su carácter transgresor y muy crítico con la sociedad del momento, liberando totalmente la creatividad artística de cualquier convencionalismo social o atadura que impidiese una total y devastadora expresión del arte.
Los vanguardistas pretendían agredir a la burguesía mediante una voraz crítica social y una representación de esa sociedad totalmente transgresora y antisistema. El individualismo, la lucha contra el sentimentalismo, la importancia del inconsciente o lo racional son algunos de lo valores en los que los autores vanguardistas basaban su actuación, apreciándose claras influencias de Nietzsche (nihilismo), Freud (el análsis de los sueños) o Breton (surrealismo).

En el ámbito cultural, destacan los avances tanto científicos como tecnológicos, tales como la aparición del automóvil y del avión o la invención del cinematógrafo. Estos avances también reflejaban la tónica general de la época en todas las áreas, puesto que suponía una sustitución de lo viejo y anticuado por lo novedoso y moderno.


3. Características de las vanguardias

La principal característica de estas vanguardias, que incurren de lleno en la originaria construcción de un nuevo diseño gráfico cada vez más especializado, es la reivindicación de lo original, de la innovación, de la actitud provocadora, desafiando los modelos tradicionales, violentando las formas y utilizando colores estridentes.
Hablar de estas vanguardias es hablar de libertad de forma y de libertad individual, de audacia ya se que desecha todo lo anterior por desfasado y de su carácter experimental.
Podemos hablar de diferentes características en función de la disciplina pero en pintura cabe destacar la aparición del arte abstracto, diseños geométricos o la visión simultanea de varias disposiciones de un objeto.



4. Primeras vanguardias:


4.1 Cubismo


El Cubismo fue un movimiento artístico originado en 1907, con la obra de Pablo Picasso “Les Demoiselles d’Avignon”. El objetivo primordial del movimiento era alejarse de una representación naturalista del mundo y la consecución de poder plasmar en el cuadro la visión de un objeto desde distintos ángulos, las figuras representadas adquieren planos geométricos, se crean en muchas ocasiones ilusiones espaciales y la perspectiva varía, observando simultáneamente a la figura representada desde varios puntos de vista.
Los cubistas rechazaron la representación realista marcada por el Renacimiento, el movimiento cubista fue un cambio radical en la historia del arte, y promovió la abstracción y la subjetividad artística.

Los autores Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron lo que se denominó el Cubismo Analítico, que abarcaría los años desde 1910 hasta 1912. Ambos analizaron los planos del tema que querían representar, en muchas ocasiones no los desarrollaban desde un punto de vista sino de varios y con estas percepciones las utilizaron para desarrollar una pintura compuesta por planos geométricos rítmicos. La fascinación que causaba el cubismo analítico residía en la tensión irresoluble producida tanto por la atracción intelectual como por la atracción sensual de la estructura pictográfica y la dificultad de poder descifrar el tema que estaba representado. El cubismo tiene un gran interés acerca de la visión humana, nuestros ojos cambian y analizan un objeto y luego nuestra mente se encarga de combinar los fragmentos representados en un todo.

Más tarde en 1913, el cubismo mostró una evolución y pasó a llamarse el Cubismo Sintético. En esta etapa los cubistas crearon signos más que representaciones del tema que querían mostrarnos. El objetivo que los cubistas pretendían conseguir era la de representar la esencia del objeto y de sus características básicas, más que la apariencia externa que mostraban. Algunos de los cubistas más representativos de este periodo del cubismo fueron: Juan Gris (1887-1927), cuando realizaba una obra, lo primero que planeaba era una estructura arquitectónica rigurosa, usando proporciones de las secciones áureas y una cuadrícula de composición modular para después “colocar allí el tema” sobre este esquema de diseño que este autor utilizaba.

Dejando aparte la clasificación del cubismo, en 1912 los cubistas introdujeron el collage de papel en sus trabajos. El collage les permitió una libertad de composición independiente del tema y declaraba la realidad de la pintura como objeto bidimensional, además la textura de los elementos del collage otorgaba significados a los elementos de la composición. También incorporaban letras y palabras de los periódicos para lograr, por asociación, formas visuales significativas.

Para concluir los colores que los cubistas usualmente usaban eran los siguientes:
  • Durante el Cubismo Analítico, para evitar cualquier efecto naturalista y emocional, la paleta de colores que los cubistas de este periodo usaron colores grises, marrones, verdes y amarillos.
  • Durante el Cubismo Sintético, los cubistas de este periodo introdujeron colores más brillantes para sus obras dejando de lado los colores que en el anterior periodo se usaban.


4.2 Futurismo


El futurismo es un movimiento surgido en Italia a principios del siglo XX influenciado por el cubismo y que aun hoy ofrece una amplia inspiración para las artes gráficas.
El jeroglífico dinámico de Bal Tabarin de GINO SEVERINI
El jeroglífico dinámico de Bal Tabarin de GINO SEVERINI
Marinetti fue su precursor y publicó su primer manifiesto en la primera página de Le Figaro en 1909.
Rompía con lo tradicional, con lo pasado. Buscaba una renovación de la sensibilidad humana a través del movimiento, el dinamismo, la velocidad, la multiplicación, la , la fuerza interna de las cosas, la persistencia del plano, la exaltación de la guerra, vinculado con descubrimientos como el automóvil, el tren, el avión…
Las técnicas para conseguirlo eran

  • Divisionismo y vibrantes composiciones de color (neoimpresionismo )
  • Abstracción y desmaterialización de los objetos (Cubismo )
  • Multiplicación de las posiciones de un mismo elemento, realización de las lineas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (simultaneismo)
Concede a la tipografía un papel único hasta entonces en el juego de las formas plásticas. La letra se libera de la alineación clásica adoptando originales formas: alineaciones verticales, circulares, en escalera, diferentes tipos y tamaños.. asume una identidad pictórica a pesar de que gracias a algunos arquitectos y diseñadores gráficos ya habían conseguido una cierta equivalencia pictórica respecto a la imagen.
Este movimiento puso gran empeño en el desarrollo de la tecnología y las innovaciones en la sociedad. Anteponía la idea al estilo desafiando a la ambición estatica de la mayor parte del arte de vanguardia.
Entre los artistas que aplicaron la filosofía futurista al diseño gráfico esta Depero , que produjo un cuerpo dinámico de trabajo en carteles, tipografía y diseño publicitario.
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El tren suburbano de Gino Severino

Carrá también fue importante por ser el difusor de las ideas futurista sobre la impresión.
Podemos destacar algunas obras como de Gino Severino : El Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912) y El Tren suburbano (1915). Incluso nombrar la obra fotográfica de los hermanos Bragaglia .



4.3 Dadaísmo

El Dadaísmo surgió durante la Primera Guerra Mundial, concretamente en 1916. El autor emblemático de este movimiento vanguardista fue Tristán Tzara, el cual junto con los demás autores del movimiento se reunían en el Cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento dadaísta se caracterizó sobre todo en la intención de destruir los códigos establecidos en el mundo del arte, se podría definir al Dadaísmo como un movimiento anti-arte, anti-literatura y anti-poesía.

El Dadaísmo se caracterizaba por: ir en contra de la belleza eterna, contra todo lo lógico, se basaba en lo absurdo y en lo carente de valor, anteponía el cambio, querían cambiar la sociedad, la cultura y el arte. Eran promovedores de la libertad del individuo, de la espontaneidad y de la contradicción.
Poseía una actitud de burla total y de humor. También se crearon poesías dentro del movimiento caracterizadas de ilógicas o de gran dificultad de compresión. Se rebelaron en contra de todos los valores establecidos hasta entonces.
El nombre del movimiento surge de manera espontanea cuando Tristán Tzara, abrió un diccionario de Alemán-Francés y encontraron la palabra “Dada”, que significaba algo así como “caballito de madera”. Aunque para los dadaístas el significado de la palabra no les importaba demasiado.

En un principio, fue influenciado por el cubismo en el análisis de los temas como planos geométricos, por otro lado, también recibió influencias del futurismo en la transmisión del tiempo y del movimiento. Varios dadaístas influyeron en el diseño gráfico, estos declararon haber inventado el fotomontaje, la técnica de manipular imágenes fotográficas fusionadas para elaborar yuxtaposiciones estremecedoras y cambio de asociaciones.

Este movimiento nació como protesta contra la guerra, pero sus actividades destructivas y exhibicionistas se volvieron más absurdas y extremistas cuando la guerra terminó. Su rechazo del arte y la tradición permitió a los dadaístas enriquecer el vocabulario visual del futurismo. El dadaísmo mantuvo el concepto del cubismo acerca de las letras como formas visuales concretas, no solo como símbolos fonéticos.

El pintor Marcel Duchamp (1887-1968) se declarará el portavoz más claro del dadaísmo. Para él tanto el arte como la vida eran procesos del azar y de la elección deliberada. Los actos artísticos se volvieron un asunto de decisión y selección individuales. La principal aportación que este autor hizo fue el Ready-Made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. Con el simple hecho de titularlos y firmarlos se les confería a esos objetos la categoría de obra de arte.
Aparte de la técnica que utilizo Marcel Duchamp, fueron influenciados por el cubismo en el uso de collages de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, entre otros muchos materiales).

Lo que más caracterizó a este movimiento no fue simplemente las aportaciones artísticas, sino el carácter revolucionario de sus componentes y su curiosa manera de observar el arte.


4.4 Surrealismo


El surrealismo comienza en el año 1924 con la publicación del '' Manifiesto Surrealista'' de André Breton quién defendía que en el contexto histórico de la posguerra, se necesitaba la aparición de un nuevo arte que fuera capaz de profundizar en el interior del ser humano. Por ello él en su obra intenta descubrir las profundidades del espíritu.
El surrealismo constituía una forma de pensar y de conocer, una manera de sentir y un modo de vida. El surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes.


El efecto de los poetas y escritores surrealistas había estado limitado a los círculos literarios y eruditos franceses; fue por medio del movimiento de los pintores que el surrealismo afectó a la sociedad y a las comunicaciones visuales. Mientras que los surrealistas a menudo crearon imágenes tan personales que las comunicación se volvió imposible, también produjeron imágenes cuyos sentimientos, símbolos o fantasía suscitaron una respuesta colectiva universal en grandes cantidades de personas. Hubo una serie de artistas que tuvieron un gran efecto en la fotografía e ilustración como Marx Ernst (1891-1965), empleó un número de técnicas que se han adoptado en el diseño gráfico. Usó las técnicas del collage para crear yuxtaposiciones extrañas.

Los pintores surrealistas han sido llamados ''naturalistas de lo imaginario'' por los historiadores de arte francés. El espacio, el color, la perspectiva y las figuras se presentan en un naturalismo cuidadoso, pero la imagenes un ensueño irreal. El surrealista René Magritte (1898-1967) empleó cambios de escala bruscos y ambiguos, desafiando las leyes de la gravedad y la luz, creó inesperadas yuxtaposiciones y mantuvo un diálogo poético entre la realidad y la ilusión, la verdad y la ficción. Sus imágenes sirvieron de inspiración a muchas comunicaciones visuales.h18336_a.jpg

Los collages fantásticos de Erns y las insólitas composciones de Magritte han nutrido la cartelística desde los años 50. Los frecuentas trebajos publicitarios eecutados por Magritte en tiempos en que ya había pontado algunos de sus cuadros más famosos demuestran que aunque parte de la publicidad de hoy siga inspirandose en el pintor belga, fue él mismo el primero en utilizar el simbolismo surrealista en publicidad.

El pintor español Salvador Dalí (1904-1989) influyó en el diseño gráfico en dos formas. Sus profundas perspectivas inspiraron a los diseñadores a llevar la profundidad a la página impresa plana y su enfoque naturalista de la simultaneidad ha sido imitado en carteles e imágenes editoriales.

Otro grupo de pintores surrealistas, los emblemáticos, trabajaron con un vocabulario puramente visual. El automatismo visual fue empleado para crear expresiones espontáneas de la vida interior en el trabajo de Joan Miró y Jean Arp. Ya en 1916 Arp experimentó con armonías imprevistas y casuales. Sus formas abstractas orgánicas y la composición abierta se incorporaron en productos y diseños gráficos, en particular durante la década de 1950.

El surrealismo influyó en el diseño gráfico de diversas maneras: proporcionó un ejemplo poético de la liberación del espíritu humano, fue pionera de las nuevas técnicas y demostró cómo las fantasía e intuición se podían expresar en términos visuales. Desgraciadamente las ideas e imágenes del surrealismo se han explotado y vulgarizado por los medios de comunicación masiva.

Este movimiento fundado en Paris, ha ejercido y ejerce todavía un extraordinario magnetismo entre una gran parte de diseñadores gráficos e ilustradores que suelen incosporan variantes surrealistas a sus personales repertorios o tratamientos de la imagen. La influencia del surrealismo es muy utilizada en la publicidad por el efecto sorpresa que se consige utilizando recursos surrealistas.


4.5 De Stijl


"De Stijl" ("estilo" en holandés) fue una revista fundada por los pintores Piet Mondrian, Theo van Doesburg y Van der Leck en 1917, con última publicación en 1931, coincidiendo con la muerte de van Doesburg. Ésta pretendía a través de críticas, teorías y manifiestos, encaminar el movimiento neoplasticista y darle a conocer al resto del mundo. En ella colaboraron muchos artistas, y por ello, "De Stijl" no se refiere sólamente a la revista, sino también a los autores que alguna vez tomaron contacto con ella. El movimiento era considerado como una variante del arte abstracto, pero no pretendía asemejarse a él, sino explicarse por sí mismo y no referirse al mundo de los objetos ni a la reproducción figurativa. Este nuevo arte proclama que se debe buscar el equilibrio entre lo particular y lo universal haciendo que la obra , es decir, lo particular, se exprese a través de formas universales, como las figuras geométricas.

Los ideales estéticos, el lenguaje formal y las intenciones de los artistas que conformaban el Stijl, estaban contenidos en el tratado fundamental de Mondrian, titulado “El nuevo modo de concebir la forma en la pintura”, publicado en el primer número de la revista. Mondrian fue un pintor holandés que comenzó su trayectoria adoptando las concepciones de su época, pintando paisajes holandeses e interesándose con ahínco por los efectos lumínicos, pero una vez descubrió en 1907 las obras de los pintores postimpresionistas, su pintura y manera de ver las cosas varió por completo.

En "El nuevo modo de concebir la forma en la pintura", Mondrian define el nuevo arte no como un nuevo estilo de escuela particular, sino como algo de mayor alcance y significación. Pero la esencia de este movimiento se basaba en su universalidad por encima de cualquier característica, quería expresar la belleza pura y para ello debían de utilizarse las formas puras. También pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista. Si observamos la obra de Mondrian nos daremos cuenta de que en sus cuadros utiliza colores primarios, líneas rectas y formas puras que dan un sentido de la belleza esencial.

En cuanto al movimiento aplicado a la arquitectura, durante este período se descartan el uso de columnas, la simetría, la repetición de elementos en fachadas, etc., que reflejaban el estilo propio de la arquitectura clásica o medieval. Esto llevó al Stijl a una tendencia estética neoplástica: el plano por el plano, el rectangulismo estructural, la ruptura en la convergencia del tejado mediante la inserción de paralelepípedos que emergen equidistantes de la base, entre otros. Estos argumentos sirvieron de base para la realización de
Ejemplo de arquitectura De Stijl. Rietveld Schroeder House.
Ejemplo de arquitectura De Stijl. Rietveld Schroeder House.
una arquitectura nueva y diferente a la cual se venía dando.

Esta nueva arquitectura es económica, sin derroches de medios o de materiales, es decir, se proyecta en un plano claro de fondo. La nueva arquitectura no reconoce ningún tipo de autocontenido, ninguna forma básica: los espacios funcionales están determinados por planos rectangulares, que no poseen formas individuales en sí mismos. La arquitectura se libera del concepto de monumentalidad de las nociones de grande y pequeño. Se conquista la abertura (la ventana posee un significado activo como abertura en oposición al carácter cerrado del plano del muro). También la nueva arquitectura ha horadado el muro y de este modo ha destruido la división entre el interior y el exterior; se une una nueva planta abierta, totalmente distinta a la planta clásica. La nueva arquitectura es abierta.

La diferencia principal entre Mondrian y van Doesburg es la ausencia y el uso, respectivamente, de la línea diagonal
La diferencia principal entre Mondrian y van Doesburg es la ausencia y el uso, respectivamente, de la línea diagonal
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Las pinturas del grupo De Stijl fueron también composiciones abstractas con áreas de colores puros (azul, rojo y amarillo) combinadas con líneas rectas en negro, verde y blanco. De todos sus miembros, van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas. Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales de De Stijl. Durante una temporada, en el año 1917, las pinturas de Mondrian, van der Leck y van Doesburg eran difícilmente distinguibles. Cabe destacar el hecho de que Mondrian jamás aceptó la línea diagonal en sus trazados, aunque sí consideró apropiado el uso de la misma para orientar el formato; esto es: podremos saber siempre si estamos ante un Mondrian si no hay ninguna línea inclinada, aunque el formato del lienzo sea un cuadrado colocado en diagonal. Van Doesburg, por el contrario, sí admitió el trazo de la diagonal. A pesar de que sus cuadros puedan parecer exactamente iguales, si nos fijamos en este detalle tendremos absoluta certeza de quién es el autor. Además de su restringido vocabulario visual, los artistas De Stijl buscaron una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza.


4.6 Suprematismo


El suprematismo es un movimiento artístico vanguardista creado por Kazimir Malévich a principios del siglo XX (1915) en Rusia. Es una vanguardia que deriva del cubismo y está relacionada con el neoplasticismo. La primera manifestación de este movimiento es la pintura titulada: “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de Malevich (1913). El término suprematismo es utilizado por Malévich por primera vez en su manifiesto de 1915 y en el ensayo de 1920.
El suprematismo se basa en la abstracción, expresándola con figuras geométricas. Las formas más utilizadas son el triángulo, el cuadrado, el rectángulo, el círculo y la cruz. Los colores más empleados son el rojo, negro, blanco, verde y azul.
El suprematismo rechaza el arte convencional.
Está considerado como uno de los principales logros de la abstracción.
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Obra de Malévich: "Cuadrado negro sobre fondo blanco"


Características principales:
  • Abstracción total del mundo sin objetos
  • No tiene un fin materialista, práctico, social, ni descriptivo
  • Predominan los fondos neutros
  • Tiene sensación de movimiento y de velocidad
  • Composiciones asimétricas
  • El punto de fuga se sitúa en el infinito

Tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño en Occidente, en la Bauhaus y en pintores como Vasili Kandinsky.
Tiene una gran aportación al diseño gráfico por sus principios (tipografía, ideologías, formas, etc.)

Lazar Markovich Lissitzky (El Lissitzky), uno de los padres de la revolución del diseño gráfico soviético, partió en sus composiciones gráficas del suprematismo. Haciendo referencia al famoso cuadro de Malevich. El Lissitzky expresa su admiración por haber elegido el blanco y el negro que representan la pureza de la energía colectiva. Después de la Revolución soviética de 1917 Malevich colaboró con el nuevo diseño gráfico, realizando magníficos carteles y participando en un sueño social de breve duración pero de profunda influencia.

4.7 Constructivismo


El Diccionario de la Real Academia Española define el constructivismo como un "movimiento de arte de vanguardia, interesado especialmente por la organización de los planos y la expresión del volumen, utilizando materiales de la época industrial". El término constructivismo lo emplea por primera vez N. Punin en 1913 al criticar los relieves del pintor y escultor Vladimir Tatlin, que se inspiró en el cubismo de Picasso. Como movimiento no surgió hasta 1920 en Rusia.

El constructivismo en sí consiste, como su nombre indica, en la construcción en metal, madera y vidrio de una serie de maquetas sin referencia posible al entorno objetivo. Desaparece lo anecdótico en busca de la pureza del arte y adquieren protagonismo las formas geométricas y el espacio frente a la masa. Las bases de este movimiento están relacionadas con otros movimientos contemporáneos, cubismo, dadaísmo y, en especial, con el futurismo. En este sentido, el constructivismo representa un claro rechazo del arte burgués y presenta un nuevo lenguaje, basado en las propuestas de la tecnología y de la mecánica industriales. Sin embargo, la situación creada por la revolución de octubre, conllevó una interrelación diferente entre arte y público y afirmó la creencia en un arte nuevo para una sociedad nueva. El resultado es un conjunto de fuerzas dinámicas en tensión e interdependientes. El Constructivismo influyó de forma decisiva, en el desarrollo de la arquitectura moderna, sobre todo, en las construcciones de hormigón armado.


4.8 Expresionismo


El expresionismo es una corriente artística que surgió en Alemania en el siglo XX. Su primera manifestación fue en la pintura. Este movimiento se convirtió en uno de los primeros exponentes de las vanguardias históricas. Surgió como reacción al impresionismo, al naturalismo y al carácter positivista del siglo XX. Aglutinó a artistas de diversas tendencias y diferente formación y nivel intelectual.
Los expresionistas defendían un arte más personal donde predominase la visión interior del artista (la expresión) frente a la representación de la realidad (la impresión).
Deforma la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación objetiva de la realidad, sin preocuparse por la belleza ni ningún valor estético.
Muestra el lado pesimista de la vida procucido por las circunstancias históricas del momento, que les llevó a representar el miedo, el horror y la fealdad en muchas de sus obras. Pretende impactar emocionalmente al espectador deformando y exagerando los temas. Los expresionistas interpretan la realidad libremente (crean las imágenes, no las copian) para expresar su mundo interior. Utilizan colores fuertes y puros, formas retorcidas, composiciones agresivas y la esquematización o reducción de las formas a lo esencial (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).

Hicieron una gran aportación a la renovación de la xilografía (estampado en madera), que convirtieron en el recurso favorito de expresión artística. Con ella consiguieron la difusión y el acercamiento de su arte al gran público.

El expresionismo está influido por:
-las pinturas negras de Goya
-Van Gogh y Gaugain: en la técnica y la profundidad.
-el simbolismo: en la búsqueda de la expresión de los sentimientos, de los estados del alma, los miedos, los sueños y fantasías.
-el arte primitivo (esculturas de África y Oceanía) y los dibujos infantiles: en la expresión de fuerza y las formas simples.
-el cubismo y el fauvismo:en la reducción de las formas y la viveza del color.

El expresionismo en el cine:
Robert Wiene fue uno de los primeros directores que introducía elementos expresionistas en el cine con la película “El gabinete del doctor Caligari” en 1919. A través de los decorados, las luces, el vestuario y la interpretación de los personajes se muestra una realidad deformada.


5. Bibliografía


"Historia del Diseño Gráfico", Meggs, Philip B. (McGraw Hill)
"El diseño gráfico. Desde los orígenes hasta nuestros días", Enric Satué (Alianza Forma)

6. Enlaces de interés